Art Zoyd | Interview | Thierry Zaboitzeff
Klemen Breznikar
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Founded in 1969, their journey has been one of relentless innovation, blending rock, electronic, classical, and avant-garde influences into a sonic tapestry unlike any other. In this interview conducted in December 2023 with Thierry Zaboitzeff, a driving force behind Art Zoyd’s evolution, we delve into the creative process that has defined their groundbreaking work. Zaboitzeff’s expansive creative vision encompasses a wide range of genres, including rock, electronic, classical, and experimental, showcasing his diverse approach to composing music. Over the course of his career, he has consistently challenged conventional norms and ventured into uncharted sonic realms, leaving a profound and enduring mark on the landscape of contemporary music.

His latest album, ‘Le Passage,’ is an auditory odyssey meticulously composed, epitomizing a pinnacle in the realm of atmospheric soundscapes. Through a masterful orchestration of musical elements, Zaboitzeff beckons the audience into a transcendent domain where ethereal melodies seamlessly intertwine with haunting rhythmic motifs. This immersive sonic experience elicits a profound sense of transcendence and exploration, offering listeners a conduit to traverse the realms of imagination. Within the intricate tapestry of sound, delicate string motifs coalesce with pulsating percussion, creating a captivating mosaic of rich textures and evocative storytelling.

“I was more drawn to composers than instrumentalists”

’44 1/2: Live And Unreleased Works’ is such a stunning compilation, a must for any Art Zoyd fan. How much time and effort went into it, and how involved were you in the process?

Thierry Zaboitzeff: As a historic member (1971-1997), it was obvious that I should be invited to take part in this project, and my real involvement began in 2015 when we organized the Art Zoyd 44 1/2 anniversary concert and discussions began with Steve Feigenbaum of Cuneiform Records on the feasibility of such a box set. Gérard Hourbette had already started compiling all sorts of music that had already been published but in alternative or live versions, and which had not been released before. Then, I also suggested some previously unreleased pieces that I had in my possession for a very long time.

A little later, I took on the task of compiling and editing the videos shot by Robert Guillerault at the 2015 RIO (Carmaux-F), which had to be optimized and resoundtracked with the better quality live sound we had recorded on the mixing console. This live concert from 2015 appears on one of the two DVDs included in the box set. All this work was spread over two years, and the box set was released in 2017.

As a very active musician, what are some of the latest projects you’re involved with?

I compose a lot of music for the theatre and contemporary dance, and I also write for my own projects. Sometimes the two blend together and give birth to hybrid, offbeat works that take on a life of their own at the end of the process, by which I mean that elements composed for the theatre are often a starting point for an original composition that is sometimes far removed from its original form.

I’m currently working on a CD, ‘Le Passage,’ in which I’m reconnecting a little with my Artzoydian past, and I’ve invited trumpeter Jean-Pierre Soarez to play on three of my compositions. It’s due for release in January 2024 on physical CD and digital versions for the platforms.
Before this, I composed the music and soundscore for the editta braun company dance film LUVOS migrations.

Tell us, what was your overall vision for your latest album ‘Professional Stranger’?

For years now, musically speaking, I’ve been consciously navigating towards genres of sound and music that awaken or inspire me, but never totally, and I end up forgetting them, moving away from them. This situation led me to say, during a conversation on the subject, that I’m a sort of professional stranger. This spontaneous expression made me smile and I ended up choosing it as the title of my album: ‘Professional Stranger’.

Initially, the project was based on music for a choreography, a staging of “long life” by editta braun company (A). A show for which I received a number of specific requests concerning soundscore, such as the omnipresence of an accordion that would act as a bridge between the different stages, but which would also be present in each of the pieces of music, whether electro-acoustic, jazzy or rock. For example, the cover of ‘Venus’. I thought it would be interesting to show these facets of my work, which is usually on the borderline between electronic music, contemporary music, and symphonic rock, and to add a touch of light by distancing myself from the precepts of RIO, Progressive Rock, and contemporary music – I had become the ‘Professional Stranger’ for the occasion.

Isn’t it quite astonishing that we can discuss ’50 ans de musique(s)’? Was it difficult for you to decide what to include on this anniversary compilation?

Yes, it’s quite astonishing, I admit, and I’m both surprised and shocked by the time that has passed so quickly.
In fact, I went through a lot of “pain” to build this ideal playlist that I had to fit onto 3 CDs of around 72 minutes each. Obviously, I started by working in chronological order, but the result soon seemed artistically uninteresting, too didactic, and full of redundancies. After a number of equally unsuccessful attempts, I scrapped my playlists, not very happy with these constructions. Then, one day, by chance, I came up with the idea of completely freeing myself from eras and deciding that each CD (Vol) could be like a story told (only to myself, in truth…) in a very simple, very naive way, with tensions, moments of restraint, experimentation, letting go, battles, shifts in very distant geographies, thus forgetting the different eras and formations. In my opinion, the magic of this process worked. I wanted to be surprised, enchanted, assaulted, taken into imaginary theatrical scenes and after a few fine adjustments, I finally found the balance… The work that followed was very technical because in order to assemble tracks from different eras in the right order, I had to think about the overall sound of the boxed set. So, I had to remaster certain tracks, which meant that I could easily mix tracks from 1984 and 2020, for example.

What are some of the most important influences that shaped your own style, and what particular elements of their work resonated with you?

If I were to discuss the formative influences on my style, I would say that I was more drawn to composers than instrumentalists (such as Bartok, Stravinsky, Debussy, Ravel, Satie, Messian, Sibelius, Varèse, Luciano Berio…), to name just a few classical figures. I can’t claim direct influence from them, but I spent a lot of time listening to their work during a period when I was absorbing a great deal.

You see, I was quite young when my musical journey began, and like many teenagers, I initially idolized guitar heroes. However, my perspective shifted when I discovered Frank Zappa and the Mothers of Invention.

However, the true revelation for me occurred with Magma’s impact in 1970, when an extraordinary group drew upon its European roots to craft music that was completely novel, original, and compelling. I also held great admiration for Miles Davis… Oddly enough, as a bassist, I didn’t aspire to emulate any particular individual; the instrument served as one of many tools for constructing my compositions. Please don’t interpret this as arrogance or indifference, but rather as a reflection of my mindset.

What are some essential rock records you heard early on that influenced you as a musician? Do you think any of these influences transcended into the music of Art Zoyd?

‘Uncle Meat’ by the Mothers of Invention, ‘Third’ by Soft Machine, and ‘Kobaïa’ and ‘1001° Centigrades’ by Magma were all significant albums for me.
But can we still classify these artists strictly as rock?
For a brief period, we found ourselves drawn to Magma’s darker sound and unique arrangements, but gradually, we forged our own path and moved away from that aesthetic.

Maubeuge, the town where you grew up, was a heavy industrial city. Did the landscape influence the incredible atmosphere produced by Art Zoyd’s music?

Undoubtedly, the environment seeped into our sounds, our music, our lyrics; sometimes consciously, other times not.

During that period, the town and its surroundings felt heavy and dark to me, perhaps because I struggled to find my place there, and perhaps also due to the industrial decline of the 1970s, which affected the entire region. It’s challenging for me to analyze this situation and determine whether the industrial context alone contributed to the sense of darkness. I believe there were other factors at play, such as the political climate, the challenges faced by young people, a strong desire to rebel during those years when we sought to defy convention, and the emergence of artistic and musical movements independent of the mainstream entertainment industry.

Tell us, how did you originally meet Rocco Fernandez and Gérard Hourbette? What initiated the formation of Art Zoyd?

If you don’t mind, I’ll recount what I shared on this subject two years ago on my website, which is quite comprehensive and well-documented.

Maubeuge and Valenciennes (France), these two towns in the North of France were where it all began. Gérard Hourbette was studying violin and percussion at the conservatory, while I was on an apprenticeship contract in a printing shop. In my spare time, I desperately strummed the guitar on my own and sometimes in more collective circumstances, although not very interesting at the time. I used to go for lunch nearby in a young workers’ hostel that Gérard also frequented from time to time. I remember, some time before, having put up a poster saying that I was looking to meet a percussionist or other musicians… Our meeting was therefore quite natural, first over a cup of coffee and then with an instrument in hand in the minutes that followed…

That was the trigger, the sudden desire to do something together. We weren’t very fixed at the age of 16-17, but we had common desires and passions.

Gérard listened more to classical and contemporary composers (Bartok, Xenakis, Ligeti…), while I was into experimental and progressive rock, which wasn’t yet called so at the time (the very first Pink Floyd, Soft Machine, The Mothers of Invention, King Crimson, Amon Düül II…).

Very quickly, we launched into crazy electro-acoustic improvisations: electrified violin/twelve-string guitar, all passed through the mill of tape echo chambers and spring reverb. Nothing could stop us anymore, so we had to organize our first concerts (hall rental, ticketing, flyer and poster printing) and get people to come and see our thunderous improvisations. We organized two concerts in Maubeuge, one at the Salle Sthrau, the second at the young workers’ hostel where Gérard and I had first met (Foyer Sangha).

In the weeks that followed our first concert, a friend and bass player (Guy Judas) joined our crazy adventure and joined in the improvisation, this time with a bass – Class!

On an idea of Gérard, our group was baptized Rêve 1 and the title of our future concerts would be: “Voyage towards Kadath,” inspired by a novel of H.P Lovecraft.

In the summer, we decided to take a break and travel to the south of France to stay with friends I had met on an epic trip to Corsica where I lived and slept on the beach. I broke my contract with the printing company and decided on another destiny far from normality. I knew nothing of life, of the difficulties we would encounter later on, but youth and curiosity were our strength. For this short stay in the south, we took our instruments with us, which helped us financially because we played here and there on the terraces and other busy places. Very quickly, we got tired of this hippie life and decided to return to the north and to consider our future in music more seriously. As soon as we returned, we resumed our thunderous improvisations, still in trio.

I don’t remember exactly why Gérard had to go to a music shop in Valenciennes (to repair a violin microphone or something else?) As soon as he entered the shop, with his violin under his arm, the conversation started quite quickly with Rocco Fernandez and other Art Zoyd musicians present that day. Exchanges were going on and intentions of collaboration were slowly emerging, so much so that Gérard returned the same evening to Maubeuge in the company of Rocco and another member of the band (Serge Armelin?) in their superb van (Ford Transit) put at their disposal by their record company at the time: “Opaline Records – Chant du Monde” following the recording of their first single: ‘Sangri’ / ‘Something in Love’.

We were quite impressed at the time. Then naturally, after the usual introductions and some buttered toast soaked in coffee (our only dish of the day), we all gathered in Gérard’s parents’ cellar, where we were rehearsing, for a “Boeuf” like we had never experienced before. In my distant memory, there were not enough instruments to really play together, we exchanged, we tested each other and the current passed very well. Rocco Fernandez (a look-alike of Frank Zappa), Serge Armelin (?), Guy Judas, Gérard Hourbette, and myself were present that evening. A few days after this magical evening, we met again (Rêve 1: Gérard Hourbette on violin – Guy Judas on bass – Thierry Zaboitzeff on 12-string guitar) in Valenciennes to join the Art Zoyd group at the invitation of Rocco Fernandez.

We thus became true “ZOYDIANS”.
The group will then become Art Zoyd III.

What kind of music did you play at the very early period of the group, before releasing any album?

The repertoire was very Jazz-Rock à la Zappa, very structured but leaving plenty of room for improvisation and solos (guitar, saxophone, violins, drums…). This gradually changed, and the songs became harder, less jazz-oriented, and more rock-oriented, until Rocco left.

When Rocco Fernandez left the band, a new chapter started. Do you agree?

Yes, I completely agree. As I explained in my answer to the previous question, Art Zoyd’s music underwent some fundamental changes at the end of the Rocco Fernandez era, on his initiative and that of Gérard. It became more structured, tighter, more serious, and also more humorous. Unfortunately, in 1975 Rocco informed us of his intention to leave Art Zoyd. Bored and tired, he wanted to move on to something else. I have to admit that in the weeks that followed this decision, Gérard and I were cautious, not really knowing which direction to take. Jean Pierre Soarez (trumpet) had recently joined the group, as had Franck Cardon (violin), while Jean Jacques Reghem (drums) would stay on for a while longer. Little by little, still following in Rocco’s footsteps, our approach to composition and performance on stage took a very particular and original path as Gérard and I gradually took over the group’s destiny.
The rest will be contained in my answer to the following question.

What’s the story behind your debut album, ‘Symphonie pour le jour où brûleront les cités’? Where did you record it? What kind of equipment did you use, and who was the producer? How many hours did you spend in the studio?

Until 1975, Rocco Fernandez was the group’s composer. Gérard and I had a few ideas, but it wasn’t the right time yet, especially for me… Rocco would compose instrument by instrument during our rehearsals, and in that context, everyone could contribute with their own know-how and personality. We kept up this approach for some time after his departure, and our 1976 repertoire and album ‘Symphonie pour le jour où brûleront les cités’ were born partly in this spirit, with the difference that Gérard began to present us with his sketches, which soon became ‘Brigades spéciales’ – ‘Masques’ – ‘Simulacres,’ compositions that were also edited collectively. We also adapted Rocco’s compositions, which became ‘Scènes de carnaval’ and ‘Les fourmis’, in more concentrated, condensed versions.

They were re-orchestrated without drums a few months later. We were often very irritated by having to constantly move musically between the regular and systematic pulsations of the drums and percussion. It was from this reflection and desire that an Art Zoyd without drums was born. As a result, depending on our aesthetic at the time, we could assign very different roles to our instrumentarium (two violins, a trumpet, and an electric bass): sometimes one was percussion, the other harmonic, and so we changed roles according to our desire for arrangements in our compositions. Our sounds gradually moved away from the traditional framework of a jazz-rock band, evoking more theatrical and cinematic atmospheres and flirting with the colors of 20th-century classical music. And so the foundations were laid for our first album, ‘Symphonie pour le jour où brûleront les cités’. At the same time, we met Michel Besset, a concert and tour organizer in southwest France. We struck up a friendship, and he became the producer of our first album (Symphonie…), which we recorded from August 30 to September 9, 1976, at Studio Tangara (François Artige and Jean-Pierre Grasset).

Thierry Zaboitzeff with Art Zoyd in Lille (1979) | Photo: Thierry Moreau
The technical situation was rather peculiar: we couldn’t do any re-recording, or have individual tracks for each instrument. The tracks were divided into the shortest logical sequences possible, and we recorded them all together. If there was the slightest mistake or misinterpretation, we (all) started again until we had the perfect take. The whole thing was put together and glued together. It’s probably this practice that gave this first album its distinctive sound. A huge amount of stress combined with a mix of cigarettes, coffee, beer… Cigarettes, coffee, beer… Cigarettes, coffee, beer… Cigarettes, coffee, beer… Screaming… Laughing fits…

“We wanted to preserve and develop the energy, electricity, and sonic power”

You had some very interesting concepts going on, for instance no drummer. As Gérard Hourbette said in my interview: “The idea was also to do without the song and the singer in the ordinary sense unavoidable in so-called rock music. The second idea was also to banish the “short” formats of rock and invent forms closer to the classical music of the twentieth century as the standard formats of the same rock, which for us bogged down in the “commercial” way. I would love it if you could elaborate on that and your own perspective on it.

It’s a point of view and a concept that Gérard and I totally shared at the time, as we had implemented the process together. I have nothing more original to add, at the risk of being redundant. However, I could mention that, while we felt closer to the forms of 20th-century classical music, we wanted to preserve and develop the energy, electricity, and sonic power of rock within this unusual formation (an electrified quartet: guitar, violin, trumpet, and bass).

And this brings us to ‘Musique pour l’Odyssée’. When listening today, what memories come to mind?

As with each forthcoming album, we were in search of renewal and aimed to gradually move away from the somewhat abrupt “symphony” sequence towards broader sounds. On a personal level, this was a significant moment because ‘Musique Pour l’Odyssée’ gave me the opportunity to present my first composition for Art Zoyd, ‘Bruit, Silence – Bruit, Repos’. But beyond that, in general terms, our sound was evolving, and I realized that my dry electric bass tone alone couldn’t fully contribute to this transformation. So, I decided to learn the cello, starting with the basics, to better integrate with our new orchestrations. This was especially important in tracks like ‘Musique Pour l’Odyssée’ and ‘Trio – Lettre d’Automne’, where the string sounds would sometimes be echoed by echo chambers. This expansion broadened the spectrum further, giving Art Zoyd’s sound and music a new dimension. Additionally, we added bassoon, oboe (Michel Berckmans), saxophones (Michel Thomas), and percussion (Daniel Denis). It was indeed a big moment and a big change for us.

How do you recall the early touring years of the band?

There are numerous memorable stories to share on this topic, and I invite you to visit the linked pages to gain a more personal insight into what life was like on tour with our band.

What would be the craziest gig you ever did?

It was with Art Zoyd in Stockholm (S), in 1990. We gave our film-concert Nosferatu on a giant screen installed against the façade of the town hall in front of 30,000 spectators. The band was positioned on the roof of the building just above the screen. I still don’t know what the audience’s reactions were because we were so high up in front of this compact crowd… But I think the magic between this cult film and our music worked because the crowd just kept getting bigger and bigger and staying bigger and bigger – very impressive!

Is there any unreleased material by Art Zoyd or related projects?

As far as I know, and as far as I’m concerned, no! Those that were in my possession were reissued as they were in ‘Art Zoyd 44 1/2,’ or those that were waiting in my boxes were arranged differently and can be found here and there in my solo discography, sometimes in unexpected forms.

What kind of records have you been listening to lately?

I’ve been listening to a lot of Jon Hassell’s albums lately (‘Fourth World, Vol. 1: Possible Musics’ / ‘Listening To Pictures’ / ‘Flash of the Spirit’…), and these music and sounds keep me in a very particular state, quite far removed from what I produce, it seems to me. Strangely enough, at the same time, I’m listening again to quartets by Béla Bartók and Miles Davis from the ‘Bitches Brew’ era. But I work a lot, so time to listen to music is rare and precious. There’s listening for pleasure, and the artists mentioned above are part of that. And then there’s what I’d call documentary listening, which is very rich in diversity (jazz/free music/improvisation/ethnic/contemporary music/progressive rock/electronic music…).

Thank you for taking the time. The final word is yours.
You know, I’m very honored, very proud to still be talking about Art Zoyd today. We created so many things together, Gérard Hourbette and myself, along with all the musicians who supported this project. However, in 1997, I left the group, and since then, we each continued to propose projects and music on our own. Gérard passed away in 2018, and a few months before that, we had regular exchanges. We were both a bit disappointed that the public or the fans still wanted to see us and hear us as in the past, sometimes overshadowing what we were both doing separately in the present. Even separately, we were always pushing our own musical language further or exploring new territories.

I’m not unaware that this phenomenon can be linked to an aging generation with its musical memories of youth, but it remains a little frustrating for active composers that we still are, or at least that I still am since Gérard has left us. I had this feeling in my heart, and your interview is an opportunity to share it. But don’t worry, I’m not bitter, and I’m always aware of what’s going on, with my ears open to anything that might help me bounce back and compose.

See you on February 9, 2024, for the release of ‘LE PASSAGE’.
Thank you for listening.

Klemen Breznikar

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Interview Contact - Thierry Zaboitzeff (solo, ex-Art Zoyd)
Entretien avec : Thierry Zaboitzeff
Propos recueillis par : Tom Charlier

Janvier-février 2023

Par une nuit introspective zébrée d'incertitude(s), nous avons cheminé vers le cabinet de curiosités du Docteur Thierry Zaboitzeff, expert plus que patenté en potions capiteuses et autres estranges émanations transmutatoires, qui tisse depuis plus d'un demi-siècle, méticuleusement et avec tout le soutien de l'éclectisme électronique accumulé de près de deux cents ans de dystopies steam punk, la matière des beaux mauvais rêves d'une semi-trouzaine de futurs alternatifs concassés et décompressés. Nous avons osé demander à cet archimage confidentiel quelques indications sur sa recette, qui demeurera secrète à moins de bien délier ses propos initiatiques.

Prog-Résiste : Le 22 septembre dernier, vous venez de sortir un coffret rétrospectif sur vos 50 Ans de Musique(s), pour lequel vous n'avez pas adopté un regard chronologique, ce qui est, avouons-le, dépaysant et créatif dans la conception même. Quels sont les principes fondateurs qui ont présidé à cette sélection et réunion ? Notez que par souci de cohérence interne, nous adopterons ce même regard atemporel pour notre interview.

Thierry Zaboitzeff : Dès le moment où j’avais décidé de m’attaquer à cette anthologie, je n’en aurais jamais imaginé la difficulté pour lui donner un souffle, un élan. Je ne me suis rien refusé et le premier choix fût de travailler ma playlist de manière chronologique, ce qui se révéla un fiasco total, je veux dire par là que cela me semblait lourd, redondant, inécoutable et n’aurait d’intérêt que pour les fanas d’archives datées… Je ne voulais surtout pas proposer ce genre de lecture de ma musique… Il m’a fallu aller en avant puis en arrière puis en avant pour enfin dans les premiers temps, tout mettre à la corbeille avant de recommencer…
Inconsciemment, je souhaitais proposer un voyage au coeur de mes sons, de mes orchestres imaginaires, de mes espaces virtuels ou non. Je ne pouvais être que le seul à décider de cela et de le mettre en oeuvre. Je remettais tout à plat, puis réalisais une nouvelle sélection de morceaux les plus variés possible au sein de mon catalogue, avec ce matériau sonore, je proposerai un voyage hors du temps, de mon temps, en laissant filer mes compositions suivant mon humeur et chemins de traverses que je prends souvent lorsque je compose quelque chose de nouveau.
Tel est le secret de ce coffret rétrospective. J’ai pour la cohérence sonore, remixé ou idéalisé certaines compositions ou dans certains cas, rejoué et ré-enregistré. (voir le booklet…)

PR : Si ma chronologie est exacte, Prométhée et Dr. Zab & his Robotic Strings Orchestra demeurent les seuls albums solo que vous avez réalisé tout en gravitant toujours pleinement au sein d'Art Zoyd. Qu'est-ce qui vous a lors poussé à sortir ces albums sous votre propre nom ?
TZ : Dans les années 82-83-84…, parallèlement à Art Zoyd, j’ai eu l’occasion de travailler pour une compagnie de Théâtre (Collectif Théâtral du Hainaut) pour laquelle durant de nombreuses années, je composais des musiques de scène… Cette expérience m’a totalement investi et enrichi. La musique de l’album « Prométhée » est issue de ce contexte . Pour la toute première fois, je me trouvais dans la situation d’écrire, jouer et enregistrer de la musique sans devoir l’imaginer pour un groupe ou ensemble instrumental en particulier et dans ce cadre, j’allais me lâcher réunissant toutes sortes d’objets et instruments que détournais allègrement de leur usage habituel, ainsi par exemple, mon violoncelle, me servait à fabriquer du vent par frottement des cordes avec des éponges en utilisant conjointement des echos successifs.
Mon but premier étant de planter des décors de sons que je n’imaginais pas être joués par un groupe, à cette époque là… C’était là une démarche intime que je tenais à poursuivre en solo tant que ce langage serait différent de celui d’Art Zoyd.

Concernant « Dr Zab & his Robotic Strings Orcherstra » Il en fût de même, toutes ces musiques provenaient de productions pour le théâtre et dans la fièvre de ces années là, je m’empressais d’en éditer une suite qui serait attrayante sur CD, ce qui fût le cas, je crois ! Puis je me suis pris au jeu, je me suis inventé un personnage « Le Dr. Zab » et de fil en aiguille, parallèlement à mes activités Art-Zoydiennes, j’allais me retrouver sur scène en sorte de « MC » comme l’on disait à cette époque, pour un show entre grandiloquence instrumentale, électro-acoustique et séquences très clipées souvent tournées en dérision car je ne me prenais surtout pas au sérieux. le concert était introduit par une chanson de Luis Mariano qui hurlait depuis mon ghetto blaster utilisé pour mon entrée en scène et se terminait par un bis joué sur un violon-jouet automatique que j’avais toujours peine à mettre en oeuvre pour les besoins de la situation. Vous l’aurez compris, loin des musiques sérieusement bombastiques que je paratiquais pour et avec l’Art Zoyd d’alors…

PR: À propos de l'utilisation de la voix en tant qu'instrument à part entière, quelles sont les influences des différents types de musique vocale traditionnelle sur vos compositions ? Les polyphonies sardes et balkaniques ainsi que le chant guttural mongolien en font-ils partie ?

TZ : Oui, ce sont des chants et des techniques qui m’ont beaucoup intéressé, pas pour les reproduire strictement mais pour les introduire de différentes manières dans mes compositions, plus particulièrement le chant guttural que j’ai beaucoup mêlé à mes sons de basse et de violoncelle pour en produire des timbres si particuliers ou des masses parfois non-identifiables.
Mais je dois dire aussi que j’aimais beaucoup certaines façons de chanter de Tom Waits.
J’ai toujours adoré l’utilisation de la voix, rarement dans un format chanson, plutôt comme une palette supplémentaire dans mes couleurs sonores…

PR: Quasiment simultanément avec Häxan, vous avez exploré de la musique théâtrale chambriste et futuriste avec Heartbeat. Avez-vous des accointances stylistiques avec le RIO de Dagmar Krause et spécifiquement l'album Desperate Straights de Henry Cow/Slapp Happy ?

TZ : Non, Henry Cow est un groupe que j’ai particulièrement écouté et aimé sur les albums « Unrest » et « In Praise of Learning » Ces productions font partie de ma culture musicale au même titre que beaucoup d’autres. J’ai toujours évité tant que je le pouvais de ressembler à tel ou tel courant ou tendance, cela m’a parfois desservi par rapport aux réseaux mais j’en retire une pleine satisfaction aujourd’hui. Bien sûr, je peux affirmer que chaque son et musique que nous apprécions tout au long de notre vie laisse malgré nous une empreinte indélébile.

PR: Comme à l'écoute des trilogies fondatrices de Magma, on ressent une forte influence SF dans votre musique, notamment dans la manière dont vous dépeignez des entours sonores dystopiques, aux reliefs émotionnels délicieusement accidentés. Quelle a été l'impulsion initiale qui a mené à cette démarche, et pourquoi est-elle restée pérenne ? En d'autres termes, qu'est-ce qui fait selon vous sa longévité ?

TZ : Pour ma part, dans mes musiques, je ne fait aucune référence à la SF littéraire ou filmique.
Même si je plante parfois des décors dystopiques, c’est pour mieux en sortir quelques minutes plus tard. Ce que je trouve absolument unique et très palpitant dans la création sonore et uniquement musicale, c’est qu’en l’absence de mots, d’images, nous puissions frissonner à la simple réception d’un son ou d’un groupe de sons et je me plais à ménager des contrastes saisissant dans cet univers particulier qui est le mien. Parfois au départ d’une composition, sur un simple son de voix, je m’imagine une légende ou le début d’une légende qui n’existe pas puis l’agencement des sons des rythmes font le reste… Le Voyage… La Magie… Le Rêve…

PR: Vous avez rejoint Art Zoyd en 1971. Comment avez-vous vécu et influencé le passage de flambeau entre les fragrances psychédéliques du groupe mené par Rocco Fernandez et les premiers albums du groupe à la fin des Seventies ?

TZ : Gérard Hourbette et moi-même sommes entrés ensemble dans Art Zoyd en 1971 à l’invitation de Rocco Fernandez. Je dois dire que nous étions des gamins à cette époque et manquions de maturité mais il nous fallut peu de temps pour trouver notre place dans le groupe, d’en accepter et comprendre les codes puis de les développer et les transcender ensemble jusqu’à notre album culte de 1976 « Symphonie pour le jour où brûleront les cités »
Je raconte ceci sous forme d épisodes sur mon site à l’adresse suivante
vous y trouverez moult et savoureux détails qu’il serait trop long de développer ici.

PR: Est-ce l'amour de la musique Zeuhl et du RIO qui vous a mené vers la musique contemporaine du XXe siècle ou l'inverse ? Quel sont vos premières découvertes musicales dans les deux domaines (rock et avant-garde), et y a-t-il un (ou plusieurs) artiste(s) que l'on pourrait considérer comme pont(s) entre les deux ? En clair, comment êtes-vous passé de Neil Young à Magma et Varèse ?

TZ : Comme adolescent et passionné de musique Rock et sans culture musicale particulière, et sans imaginer un instant que je serai un jour musicien et compositeur, j’écoutais beaucoup de choses, les inévitables Beatles, Stones, Kinks… Puis Hendrix, les premiers Pink Floyd… Le choc se produisit lorsque que découvrait Frank Zappa et les Mothers sur une chaine de TV et il en fût de même lors de la sortie du premier double album album de Magma. Tout ce foisonnement d’inventions musicale affutait ma curiosité et très vite, je me suis mis en recherche des origines de ces musiques qui avaient créé en moi une irrésistible envie de devenir musicien et je remontai à Edgar Varèse, Igor Stravinsky, Bela Bartok, Serge Prokofiev, les Musiques Anciennes, Le Jazz avec Miles Davis et John Coltrane, Berio, ligeti… Je m’offrais ainsi une nouvelle culture musicale suscitant bien d’autres envies.

PR: Art Zoyd est reconnu pour ses associations multimédia et ses accompagnements musicaux de films muets des années - mille neuf cent - 10 et 20 (Häxan, Nosferatu, Faust et votre bande son du Cabinet du Docteur Caligari pour ne citer que ceux-là). Avez-vous d'autres projets prévus dans cette lignée ? Quelle a été votre plus grande gageure en la matière ?

TZ : A ce jour, je n’ai pas d’autre projet de ce genre, j’estime avoir déjà tellement expérimenté
dans ce domaine que cela ne me semble plus un « must », une priorité. Avec le recul, le point culminant me semble être le Nosferatu de Murnau que nous avions entrepris avec une certaine innocence et inexpérience mais avec beaucoup d’audace, ce qui a contribué au succès mondial de ce projet soutenu par cette imagerie autour du vampire.
Je mettrais à part les excellents projets Faust, puis Häxan qui mettra un terme à ma carrière avec Art Zoyd, je ne voulais plus actionner des samplers et des boucles au pied d’un écran, nous avions déjà tout dit alors que Gérard Hourbette souhaitait poursuivre cette démarche et l’orienter vers un langage musical plus aride loin de mes envies artistiques.

Quinze années plus tard, je recevrais l’invitation du festival Berlinois « Somnambule ERSTES INTERNATIONALES CALIGARI à créer un nouvel environnement sonore en live sur Le Cabinet du Dr Caligari de Robert Wiene, quasiment sur les lieux du tournage de ce film. J’hésitait un instant car je craignais de retomber dans certains travers puis après quelques essais concluants, je trouvais les chemins excitants d’une nouvelle création et je peux dire que c’est mon meilleur projet de ciné-concert car il me semble que je sois parvenu à un équilibre musical entre instrumental traditionnel et électro-acoustique juste et bien maitrisé. Ce n’est que mon opinion bien sûr !
Je vous invite à consulter cette page pour plus d’information.

PR: Voyez-vous quelque chose d’oulipien [par rapport à l'Oulipo, laboratoire de littérature ?
Je ne pense pas avoir quelque chose en rapport avec ce mouvement littéraire, si ce n’est que je tente souvent de déjouer mes habitudes par certaines contraintes notamment lors de commandes de musique pour lesquelles je m’impose parfois de n’utiliser qu’un seul type d’instrument, soit acoustique, soit électronique ou les deux.

PR: J'ai personnellement beaucoup apprécié le lyrisme cinématique, le folklore imaginaire, la puissance évocatrice ambient et les paysages sonores de Professionnal Stranger. Cet opus laisse parler quelques clins-d'œil et influences inattendus, notamment via les covers de Depeche Mode, Bananarama et - mais peut-être est-ce moi qui fabule - la légèreté folk innocente d'un Lars Hollmer. Pouvez-vous nous détailler quelque peu le processus de création de cet album ?

TZ : La Musique de Professionnal Stranger est en partie composée pour un projet chorégraphique et théâtral « Long Life « « editta braun dance company » pour lequel, nous avions besoin de références rock assez typée et après quelques recherches, je me suis souvenu de Venus (Shocking Blue) que j’adorais lorsque j’étais adolescent, je décidais donc d’en faire une reprise et cela m’a beaucoup amusé d’autant que la couleur sonore générale du spectacle tournait autour de l’accordéon que j’ai utilisé sur toute la bande son du spectacle et il en fût de même concernant « Enjoy The Silence » (Martin Gore - Depeche Mode - Album Violator) morceau que je me suis complètement approprié et adapté pour une scène parlant de l’âge, du temps qui passe et qui ne revient pas en arrière. Même si les thèmes de la pièce sont graves, j’ai intentionnellement traité mes compositions et soundscores pour dégager de la légèreté et de l’insouciance sur un rythme cinématique comme vous le dites très bien et aussi en introduisant des couleurs folkloriques d’Europe de l’Est.

PR: Quels sont vos projets dans l'immédiat ? Une suite de l'EP Pagan Dances est-elle envisagée ou est-il prévu comme une œuvre autonome ?

TZ : A cet instant, je dirai que je suis en recherche, purement dans la composition, des projets attendent que je me dégage du temps comme par exemple enregistrer une adaptation électronique et libre de chants et danses de pèlerins qui se rendaient au monastère de Montserrat près de Barcelone à la fin du Moyen Age pour y vénérer une vierge noire. Ces chants composés par des anonymes furent collectés et notés par les moines dans un livre à la couverture de velours rouge qui porte donc ce titre : “Llibre Vermell de Montserrat” le plus célèbre recueil de chants de cette époque. J’avais monté ce projet avec une chatneuse (Sandrine Rohrmoser) pour quelques concerts en 2004 puis j’ai dû passer à autre chose… Je m’y replonge bientôt.

PR: Par pure curiosité, quels sont aujourd'hui votre pièce d'Art Zoyd et votre composition personnelle favorites, et pour quelles raisons les recommanderiez-vous ? Si ce dernier élément de réponse va de soi, point n'est besoin de le préciser ! Un tout grand merci pour cet entretien à distance éclairant.
TZ : Je ne parlerais pas de pièces mais plutôt d’albums qui sont « Phase IV / Le Mariage Du Ciel et de l’enfer / Les Espaces Inquiets et Berlin ». Ces quatre disques sont pour moi des étapes importantes et charnières dans ma carrière musicale avec Art Zoyd. Nous avons énormément investi humainement, musicalement et ensemble pour monter ces projets et les tournées liées à cette époque.

Merci à vous et à Progrésiste.
Thierry Zaboitzeff

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La scène française se porte bien : 2 - Aria Primitiva Sleep No More
Par Jean Christophe Alluin 30/07/2019

Un premier EP, première carte de visite, avait permis en 2017 de prendre contact avec la musique du groupe impulsé par Thierry Zaboitzeff. Le titre de ce premier album fait évidemment écho au Art Zoyd des années 80 mais il serait vain de chercher en Aria Primitiva un clone. Disons qu'on se situe dans un prolongement de certaines esthétiques mais avec une instrumentation forcément différente sans parler du temps qui s'est écoulé...

Au travers de multiples expériences, hélas peu relayées en France, Thierry Zaboitzeff livre ici un disque extrèmement travaillé, une oeuvre mature aux dédales surprenants qui happent l'auditeur aventureux. On ne se pose que rarement en ces paysages sonores parfois tourmentés, sombres ou plus calmes pour quelques brefs instants... L'instrumentation est dense et fournie avec de belles ouvertures sonores où les deux musiciennes, Nadia Ratsimandresy et Cécile Thévenot, sont particulièrement à leur aise. On l'aura compris, voici un disque particulièrement puissant dont on peut espérer qu'il permette à Thierry Zaboitzeff de toucher un public plus vaste ce qui ne serait que justice, compte tenu de son passionnant parcours...

Jean Chistophe Alluin 30/07/2019

Et cerise sur le gâteau, notre ami Thierry Moreau, auteur du très beau visuel du groupe, a réalisé un long entretien avec le musicien dont vous pouvez lire ici l'intégralité, merci à lui !

Peux tu nous parler de tes premiers contacts avec la musique,
viens tu d’une famille de musiciens ?

Les premiers contacts, justement, dans la famille par mon grand-père maternel qui était entre-autre organiste à l’église de Fourmies (59). Tout gamin, j’adorais l’accompagner dans la tribune et me laisser prendre par ces sons d’orgue tourbillonnant, vibrants et magiques… Mais le véritable déclic se produisit à l’arrivée de la musique Rock, pas celle de gens comme Elvis Presley car j’étais trop jeune et de toute façon, je trouvais cela ringard, mais plûtot de tout ce qui a suivi un peu plus tard, les Stones, les Beatles, Kinks, Led-Zep, The Who… A cette époque, j’ai détesté l’école, l’autorité, la norme, alors les quelques cours de musique du jeudi, c’était encore l’école, l’autorité… J’ai zappé !
Mais le rock avait accroché mon oreille et très vite, j’ai voulu ressembler à ceux que j’adorais et je me suis essayé à la guitare tentant d’imiter ceux qui m’excitaient tellement… Avec quelques copains de classe ou de quartier, nous formions des groupes qui ne duraient jamais plus de dix jours.
Puis sont arrivés à mes oreilles Hendrix, Pink Floyd, Zappa… j’en passe et là, le choc fût terrible… Les esprits s’ouvraient à autre chose, en tous cas le mien… Je devais avoir 15 ans, ce fût le point de départ d’un long cheminement autodidacte durant lequel, je découvrais pas à pas ce qui était derrière ces Hendrix, Pink Floyd, Soft Machine, Zappa… Donc Varèse, Debussy, Stravinsky, Bartok, Berio … Des musiques anciennes, baroques, romantiques, post romantiques, je me souviens d’un temps où j’écoutais Mahler en boucle parce que sa musique me touchait et que je voulais savoir comment et de quoi elle était faite.

Comment es tu rentré dans Art Zoyd, quelle a été ta place au début puis après, les rapports avec les musiciens...
En 1970, je rencontrais, Gérard Hourbette, je gratouillais des guitares, lui, sortait du conservatoire et je ne sais plus précisément pourquoi, mais ça a tout de suite accroché entre nous malgré mon inexpérience instrumentale d’alors. Nous nous sommes très vitre retrouvés pour monter un duo qui deviendrait ensuite un trio : « Rêve 1 « là où nous vivions, à Maubeuge. La plupart du temps, nous improvisions sur des structures atmosphériques que nous décidions à l’avance. Gérard au violon électrifié, moi, à la guitare acoustique 12 cordes électrifiée également, le tout dans des effets de type chambre d’écho à bande, pédales de distortion, nous faisions, si je puis dire, feu de tout bois en utilisant tout élément pouvant servir de percussion en l’amplifiant très sommairement et triturant le tout dans ces chambres d’écho sans oublier les bandes magnétiques diffusées à l’envers et sur lesquelles nous intervenions ou pas ! (expérimental et improvisé !!!! Furieux, poétique) quelques semaines plus tard, un bassiste (Guy Judas) nous rejoignait.
Un jour, Gérard alla s’acheter des cordes de violon à Valenciennes là où se situait l’unique magasin de musique digne de ce nom, au plus proche de Maubeuge. Lorsqu’il entra dans la boutique, le crâne rasé affublé d’un manteau de fourrure, un étui de violon sous le bras, toutes les têtes chevelues, moustachues et à barbe se tournèrent vers lui, je n’étais pas présent à ce moment là mais la conversation et l’échange se firent quasi instantanément entre Gérard et Rocco Fernandez et autres membres de Art Zoyd… Le même jour Gérard rentrait de valenciennes en compagnie d’Art Zoyd dans leur bus, nous fîmes le boeuf dans la cave des parents de Gérard: Art Zoyd III était né. Dès les premières répétitions autour des compositions de Rocco, notre bassiste décidait de nous quitter et là Rocco m’encouragea à prendre la basse, ce que je fis non sans difficultés mais après une une ou deux semaines, je trouvais idéalement ma place et très vite en tant que bassiste je commençais à participer à certains arrangements, cela m’excitait beaucoup de partir de rien…
Nous fîmes énormément de concert en région mais aussi un peu partout en France en particulier dans les MJC mais aussi dans des bals et discothèques… Entre 1971 et 1975, il n’y avait pas trop d’autres alternatives pour se produire sur scène.
En 1975, Rocco décidait de lâcher l’affaire, lassé, fatigué de toutes ces tournées non-rentables, il nous remît à (Gérard et moi même) les clefs de la maison Art Zoyd.
Nous souhaitions profiter de l’occasion pour tenter d’aborder la composition sous un angle différent.
Nous étions souvent très irrités de devoir se mouvoir musicalement sans cesse entre les pulsations régulières et systématiques de batteries et percussions, c’est de cette réflexion et envie qu’est né cet Art Zoyd sans batterie. Du coup selon notre esthétique de l’époque nous pouvions donner des rôles très différents à notre instrumentarium ( 2 violons, trompette et basse électrique) tantôt les uns étaient percussions, les autres harmoniques, nous changions ainsi les rôles au gré de nos envies d’arrangement de nos compositions.
En ce qui me concerne j’ai vraiment commencé à composer à Partir de l’album Musique pour l’Odyssée. La pièce s’intitulait Bruit, silence, Bruit, Repos, tout un programme !!! Je vivais à Douai à ce moment là et il me fallait deux heures trente de transport pour rejoindre notre lieu de répétition qui se trouvait à Maubeuge et parfois encore sur Valenciennes et je profitais de ce long temps de transport pour préparer les arrangements que nous expérimenterions instruments en main durant la répétition. Etant complètement autodidacte, je devais durant mon voyage, trouver des astuces de mémorisation de notation, de fait j’avais tellement tout en tête que parfois je chantais les parties de trompette ou de violon et les musiciens se les notaient ensuite au propre…

Art Zoyd passait en première partie de Magma, le courant Rock in Opposition est arrivé, tu nous en parles…
1975-1976, nous tournions énormément dans le circuit des MJC initié alors par nos aînés (Gong-Magma et bien d’autres) Notre route s’est croisée avec celle de Michel Besset (déjà organisateur de concerts dans le sud-ouest de la France, notamment sur Albi et Carmaux : Association Transparence) Il est devenu notre manager, le producteur de notre premier album : « Symphonie pour le jour où brûleront les cités » et nous a fait tourner beaucoup dans sa région et c’est lui encore qui négocia avec Magma et notre précédent tourneur (Jean René Pouilly) pour nous, les premières parties des concerts de Magma en France durant cette période à la suite de ce mémorable gig au palais des sports de Toulouse organisé par Michel Grèzes et son association Tartempion.
(concert devant plus de deux-mille spectateurs). Ces premières parties, nous amenèrent également pour une dizaine de jours au Théâtre de la Renaissance à Paris, le succès fût total, le public s’arrachait nos vinyles à l’entracte, jusqu’à quarante exemplaires par soir. C’était la folie !
Surtout si l’on re-pense à notre line up de l’époque formule commando sans batteur ni claviers.
Violon: Gérard Hourbette
Trompette; Jean-Pierre Soarez
Guitare, violon, violoncelle : Franck Cardon remplacé par Alain Eckert : Violon et Guitare
Thierry Zaboitzeff : basse électriques et vocaux
Cela fît notre son, notre identité, notre marque de fabrique.

Prométhée est ton premier album solo, on sent déjà une orientation, des voies à exposer…
En fait Prométhée était à la base une musique destinée à une performance théâtrale par Le Collectif Théâtral du Hainaut de Valenciennes qui me commanda cette composition par son directeur Philippe Asselin. Ce fût la toute première fois depuis mes débuts dans la composition que je me suis senti complètement libre, pas tenu de composer pour tel ou tel ensemble d’Art Zoyd ou autre. J’avais décidé pour ce projet d’utiliser tous les instruments dont je pouvais jouer à l’époque: un bon vieux piano droit pas très bien accordé, le cello, la basse mais aussi la guitare électrique, un casiotone (sorte de synthé-jouet avec des sonorités typiques) et multiples accessoires comme des métronomes, petites percussions (castagnettes, tambour, triangle, boite à rythmes trafiquée) et les multiples pédales de distortion d’alors ainsi que les possibilités offertes par le montage sur bande magnétique…
Ici pas de concertant, pas de solis, rien à prouver sur une scène mais une volonté d’ambiant, de liberté, de manipuler mes instruments et mes textures entièrement « faites maison » Un processus de composition et d’arrangement complètement dépendant de ma volonté et de mes moyens techniques de l’époque.
La source littéraire, la base imposée de mon inspiration : « Prométhée enchaîné » d’Eschyle accompagné d’indications scénographiques.
Très vite, j’ai dû oublier toute cette histoire très compliquée afin de ne pas m’y perdre et je ne gardais que ceci en tête :
« Éther divin, vents à l'aile rapide, eaux des fleuves, sourire innombrable des vagues marines. Terre, mère des êtres, et toi, Soleil... je vous invoque ici » Et puis Zeus, Les Océanides, Io, Hephaitos…
J’étais marqué par cette image de Prométhée enchaîné et condamné pour avoir révélé les bienfaits du feu aux hommes…
En marge de cette musique de scène, je décidais d’en réaliser un album en remaniant, re-découpant, re-mixant, superposant d’un Revox à l’autre créant ainsi des décalages aléatoires ou volontaires…Mais surtout, au fil de mon travail j’ai toujours veillé à ne pas perdre ce côté très instable, errant mais hiératique que j’avais souhaité.

Quels ont été tes bassistes préférés ?
Janick Top, Francis Moze, Tony Levin, Hugh Hopper pour ne citer que ceux qui m’ont directement impressionné.

Tu joues de la basse avec un médiator, pourquoi ce choix ?
Cela vient du fait qu’auparavant, je jouais de la guitare mais surtout, je maitrise mieux la précision pour les phrasés très rapides et complexes dans l’exécution rythmique, avec le temps, je me suis organisé de cette façon toute une palette de nuances et de timbres… Je recherche ce côté piqué…Parfois j’utilise les doigts pour obtenir des sons très sourds ou pour balancer quelques slaps, avec modération… Je dois ajouter que je suis avant tout compositeur et que je ne me prends pas pour un bassiste chevronné et exemplaire. j’utilise tout les instruments dont je peux jouer comme passeurs de ma musique.

Le violoncelle ? Tu y es venu comment ? Le violoncelle électrique ?
Lors de la conception de l’album « Musique pour l’odyssée », je trouvais que uniquement ma basse électrique, ça n’allait pas le faire, j’étais frustré, j’avais envie de corde frottée, J’achetais donc un violoncelle et toujours en autodidacte, je me mettais au travail avec l’aide précieuse de Gérard et de Franck qui me communiquèrent quelques rudiments et bon conseils… Le reste fût souffrance, persévérance ! Quant à l’électrification du violoncelle, elle fût toute naturelle car nous électrifions déjà les deux violons et la trompette.
L’apport de la lutherie informatique et électronique donnent des ouvertures nouvelles, des couleurs nouvelles, comment sont préparées ces interventions? Les Ondes Martenot ?
Dans les années 85-86 Chez Art Zoyd, j’utilisais déjà cette lutherie informatique et électronique. Les manipulations d’alors étaient très basiques et robotiques, c’était très frustrant sauf si vous vouliez ressembler à Kraftwerk, ce qui n’est pas une critique mais cela n’était pas ce que nous recherchions…
Mais revenons en 2019, Les technologies ont bien changé et vous pouvez aujourd’hui avoir dans votre ordinateur portable au sein d’un sampler virtuel tous les sons et les patches que vous avez préparé pour le concert pour ensuite les manipuler et les jouer en direct sur scène à partir de claviers, de pads, de capteurs via le MIDI.
Au sein de ses mêmes samplers, vous avez également accès à la synthèse si vous souhaitez y travailler et créer vos propres sons, autant dire un outil puissant, expressif, formidable.
Ceci apporte dans ma composition toutes les palettes sonores que je souhaite associer à une orchestration…
J’adore le fait de pouvoir par exemple sampler le souffle de ma voix et un accord de violoncelle ou de basse et remixer l’ensemble jusqu`à en faire un son nouveau et puis le triturer encore et encore à l’envi et lorsque cela me procure l’émotion recherchée, j’introduis ce ou ces sons dans ma composition…
Concernant l’onde Martenot, je n’avais jamais travaillé avec cet instrument, je ne l’avais même jamais côtoyé , simplement entendu dans des oeuvres de Messian, Milhaud, Henry pour ne citer que les plus connus et puis aussi dans certaines musiques de film…
C’est la rencontre avec Nadia Ratsimandresy pour ce projet de concert et d’album Aria Primitiva qui a été le déclencheur. Dès cet instant, j’ai commencé à me documenter, à rechercher. C’était un nouveau challenge ! Pour Aria Primitiva, je ne voulais pas écrire des pièces spécifiquement pour l’onde martenot mais l’intégrer à l’architecture sonore que j’avais en tête, entre Rock Metal-Jazz-musique du XXème-électronique-ambient-techno mais « Zaboitzeffienne » !!!
Pour les premières étapes de composition et d’orchestration, j’ai utilisé une Onde Martenot Virtuelle (samplée), histoire de me familiariser seul avec les timbres et les principales possibilités car les membres d’Aria Primitiva sont géographiquement très éloignés et je voulais être informé sur les sons et variations de l’onde avant nos sessions en trio.
Puis nous nous sommes enfin retrouvés instruments en main pour monter ce répertoire « Sleep No More » et là j’ai vraiment appris beaucoup en découvrant Nadia et son instrument, cela m’a permis de corriger certaines erreurs dans mon écriture mais également d’intégrer l’onde dans des atmosphères musicales inattendues ou à priori incompatibles. Chaque jour, avant de commencer à déchiffrer ou répéter, nous improvisions une vingtaine de minutes et là j’ai vraiment découvert l’onde et ses immenses possibilités.

Dans toute ta discographie, il y a des influences sous jacentes, on peut parler de Xenakis, de Nino Rota, de Jon Hassell, de Gorecki. Tes influences sont en filigranes, et on sent bien ta rigueur d’écriture, ces gens t’ont influencé ?
Chaque compositeur à souvent du mal à dire qu’il a été influencé par tel ou tel…
Me concernant, il y a des Artistes, des Compositeurs, des Oeuvres que j’ai admiré et qui ont fait de moi ce que je suis aujourd’hui: Stravinsky-Bartok-Debussy-Ravel-Eno-Zappa-Hassel-Mahler-Miles Davis-King Crimson-Berio-Ligeti-Orff-Ives-Magma Epok I… Et beaucoup d’autres…
Ce mix vous paraîtra sûrement curieux mais c’est ainsi ! Effectivement, un peu Gorecky, Nino Rota mais pas Xenakis qui ne m’a jamais vraiment attiré.

Tu chantes parfois en latin "Missa Furiosa", je me souviens dans une vieille interview que tu parlais de ton grand père et des visites dans les églises, tu te « sers » du latin un peu comme un gimmick, un clin d’oeil..???
Le Chant en Latin, ce fût seulement dans la Missa Furiosa, là encore, un challenge: amener ma musique dans un cadre techno-pop, mêlant instruments acoustiques y compris une batterie, grooves élelectro, chanteurs lyriques et pour y chanter une Messe imaginaire avec même une citation bluesy du requiem de Mozart !!!
Ma préoccupation dans ce projet était d’être Bombastique-Churchy, à la limite de la caricature, mêlant grandes orgues, chant lyrique, puissance sonore pour une sorte de cérémonial, ce qui m’a toujours attiré car lorsque j’étais enfant, j’accompagnais souvent mon grand-père à la tribune car il était organiste et j’adorais être proche de ces sons parfois grandioses et me laisser empoter par ce visuel-rituel qu’était la grand-Messe avec l’encens, le Garde Suisse - Les debout-Assis, la Communion, etc.
Je trouvais que le latin allait fort bien avec ma musique et comme non-croyant, Je dois ajouter que si tout ceci était parfois caricatural, je n’ai jamais souhaité être critique ou blasphématoire, cela n’était pas le propos ici ! je me sentais plutôt dans une sorte de « rave dominicale… » (hi-hi)
Pour l’anecdote, un moine qui assistait au concert a même acheté l’album Missa Furiosa.

En faisant le point sur ta discographie, on sent que tu explores différentes facettes de ton univers, Aria Primitiva est un peu la quintessence de ton travail…?
Oui, dans chaque création nouvelle cela doit transparaître un peu, et cette fois, un peu plus. J’ai personnellement beaucoup de mal à regarder en arrière et donc Aria Primitiva est mon dernier projet en date et dans mon esprit, c’est le meilleur, là où j’ai mis tout mon savoir-faire, mon âme. Ce n’est que mon avis bien entendu !

Pourquoi le nom de Aria Primitiva ?
Bien que finalement il n’y ait pas beaucoup de parties chantées dans ce projet, je recherchais un nom qui fasse allusion au chant de manière globale, chant primitif, chant tribal quelque chose d’antérieur à une musique savante, élaborée mais y faisant tout de même référence… Aria Primitiva est finalement venu naturellement (Aria pour le côté classique-savant et donc Primitiva pour le côté primitif, tribal… Ce nom m’est venu très vite à l’esprit, nous l’avons adopté aussi vite !

Parle nous de Cécile Thévenot, Nadia Ratsimandresy, participent elles aux compositions ? La symbiose du trio est évidente...
Nadia et Cécile n’ont pas participé à la composition, mais je dois vous raconter un peu plus sur notre rencontre et la genèse de ce projet. Nadia , Cécile et moi même faisions partie du line up du concert anniversaire d’Art Zoyd au Phénix de Valenciennes en décembre 2017. Lors des répétitions est née entre-nous une sorte de complicité, d’attirance musicale, le soir, après cet ultime concert, Nadia et Cécile vinrent me demander si l’on ne pourrait pas envisager de travailler ensemble, je dois avouer que sur le coup, j’ai eu quelques réticences par rapport à un trio, pourquoi ?, Comment ? Quelle musique ? Dans l’euphorie du moment, j’ai dit : « Banco ! » je voulais relever ce nouveau défi. Quelques semaines se sont ensuite écoulées, semaines durant lesquelles, j’ai un peu fait le tour de mes envies que j’ai peu à peu communiqué à Nadia et Cécile qui étaient à l’écoute de ce que je proposais. Nous avions évoqué également la possibilité de constituer ce trio sur la base d’improvisations ce qui m’a fait un moment hésiter car l’improvisation n’est pas spécialement mon truc, en tous cas et je rêvais d’une écriture compacte serrée et j’ai donc commencé à écrire puis très vite je suis arrivé à une heure dix de compositions, que j’ai proposé pour le trio en prévoyant des plages d’improvisations libres au sein de morceaux très écrits.
Ce fût donc notre base de travail après approbation de Nadia et Cécile. Puis le temps passant j’ai eu l’impression que sans décision radicale au niveau notamment d’un calendrier nous serions toujours dans un processus d’attente, de réflexion, de recherche chacun dans notre coin et personnellement, je n’en avais ni le temps ni les moyens, nous sommes tous trois séparés par de grandes distances et rien n’est facile pour se retrouver et travailler.
Alors, j’ai pris sur moi la décision de terminer rapidement l’écriture. Il m’a fallu aussi vite trouver les lieux de répétitions pour notre première session de travail ainsi qu’une résidence, les premiers concerts puis un cadre technique et financier pour la réalisation de l’album. Ceci explique que Aria Primitiva est devenu de fait mon projet. Je dois dire que cette première session de répétitions et de rencontre véritable fût exemplaire. Chaque matin avant de nous lancer dans les orchestrations et mises en place, nous improvisions une vingtaine de minutes pour notre plus grand bonheur , histoire de nous rencontrer et nous découvrir. Et je dois encore remercier Nadia et Cécile pour leur grande complicité, aide, collaboration et professionnalisme. Et à ce titre pour moi, c’est aussi leur projet même si elles n’ont pas signé les compositions. J’avais auparavant pré-programmé les samplers et les empilages de sons que finalement nous nous avons re-répartis ensemble pour des raisons de jeu et de maniabilité des machines en condition de spectacle, laissant Nadia plus disponible pour les Ondes Martenot qui est l’une des originalités de ce projet.
Ce propos musical en trio et sa conception technique ne tiennent qu’à un fil, celui de la complicité-concentration et cela se sent immédiatement lorsque l’on nous regarde en concert. Je suis personnellement très touché de m’en rendre compte au fil des concerts.

Des concerts ? Les projets ?
Pause actuellement pour les concerts car nous avons tous trois d’autres engagements prévus de longue date à honorer mais des possibilités s’annoncent déjà, je ne peux en parler tant que rien n’est fixé définitivement.
Je travaille en ce moment à la composition pour un projet chorégraphique de Editta Braun Company : « Layaz » pièce pour une danseuse Hip-Hop
J’y utilise un peu les codes musicaux de ce style pour en réaliser une pièce toute personnelle, là aussi, un nouveau défi à relever !
La création aura lieu en octobre 2019.
Puis je ferai une longue pause car j’arrive à un moment de ma vie où beaucoup de choses deviennent compliquées et cela sera l’occasion de me ressourcer…

L’ Album Sleep No More bien accueilli ?
Au regard du courrier, des mails enthousiastes que nous lisons, des ventes sur mon site et d’autres retours (Label-Distributeur) je peux dire que cet album reçoit un excellent accueil. Attendons de voir comment la presse dans son ensemble réagira… Certains articles déjà sortis ici et là sont très positifs sur notre création.

Le courant R.I.O reste assez confidentiel du grand public, que penses tu de ce mouvement ?
Le RIO est un mouvement créé vers la fin des années 70 par Chris Cutler et son groupe Henry Cow qui avait enregistré ses premiers albums chez Virgin (GB) Le but du RIO était de de s’opposer en général à l’industrie musicale Rock en particulier, prouvant ainsi qu’il était possible de produire des concerts et des albums en toute indépendance artistique, politique… Ce que chaque groupe de ce mouvement tentait déjà de faire dans son coin, Henry Cow-Art Zoyd-Univers Zéro-Etron Fou Leloublan-Samla Mammas Manna-Stormy Six -Art Bears-Aksak Maboul ) Ensemble, en réseau nous serions plus fort ! C’est ainsi que nous avons participé (Art-Zoyd) à quelques festivals RIO (Milan-Stockholm…) ou concerts isolés labellisés RIO un peu partout en Europe,et produit et distribué en 1982 notre double album Phase IV via Recommended Record devenu le Label du RIO. Comme bassiste, j’ai joué avec Univers Zero (époque 1313- Hérésie) dans le premier festival RIO qui se tenait au New London Theater en 1978… J’étais bassiste intérimaire dans UZ, Guy Segers devait me remplacer par la suite et nous nous partagions le répertoire. Nous avions également joué auparavant à Nancy dans cette formule à deux basses alternées.
Puis ce mouvement s’est quelque peu endormi, le public a de moins en moins suivi et les artistes ont repris chacun leur voie. Le RIO est resté dans les mémoires comme une étiquette large englobant rock progressif, avant-garde, fusion, psychédélique ou expérimental hors du contrôle de l’industrie musicale.
Jusque à une renaissance du mouvement en 2007 sous l’impulsion de Michel Besset et de Roger Trigaux qui se donnèrent les moyens techniques et financiers de remettre ce festival sur pied et d’en faire en France, un évènement musical annuel depuis. Je ne crois pas que ce mouvement soit confidentiel au regard du style des musiciens qui en font partie.
Les concerts qui y sont présentés sont pour la plupart sans concession, originaux. Les temps sont devenus encore plus rudes (artistiquement) pour exister, mais j’ai le sentiment que peu à peu l’intérêt du public revient vers le RIO sur une base plus large, internet aidant !
Ce que je trouve un peu agaçant et dommage, que certains groupes sont un peu dans l’imitation de Magma-Univers Zero-Art Zoyd-Henry Cow…) On aimerait découvrir d’autres sons, d’autres tendances, d’autres originalités. Les temps ont changés, attention de ne pas tourner en rond !

Quels sont les musiciens avec qui tu aurais aimé travaillé ?
J’ai passé vingt-cinq années dans Art Zoyd avec des compagnons formidables (Gérard, Jean Pierre, Patricia, André, Daniel…) Nous nous sommes presque tout permis artistiquement jusqu’à une grande lassitude et des envies différentes de part et d’autre, précisément entre Gérard et moi qui étions de 71 à 97 les deux têtes du groupe Art Zoyd…
Gérard souhaitait s’orienter vers la musique contemporaine et ses réseaux de compositeurs en résidence… et utiliser plus de technologie, je souhaitais vivement le contraire, le moment était venu de nous séparer…
J’ai donc ensuite fait un long chemin solitaire, comme compositeur, dans mes projets et ceux d’autres artistes, chorégraphes, metteurs en scène, réalisateurs… C’était aussi une sorte de thérapie: Ne plus être attaché artistiquement au langage d’un ensemble de musique devenu comme un sorte de parti politique dont il ne fallait pas sortir des lignes y compris des miennes et j’ai donc en quittant Art Zoyd, avec bonheur, joui de cette nouvelle liberté.
Alors aujourd’hui après tous ces chemins de traverses, si je me prenais à rêver d’une nouvelle expérience, c’est avec Daniel Denis (UZ) que j’aimerais jouer mais sûrement pas dans un contexte à la Univers Zero ou Art Zoyd car pour moi les temps ont bien changé. Non dans une autre sensibilité, une approche différente à chercher, nourrir, inventer…
Mais il me reste tant à faire sinon !

Comment procèdes-tu dans la création, tu pars de quoi ? Une rythmique, une mélodie, un son, par quel instrument commences tu ?
Je dirais que c’est un grand bazar ! En fait, souvent, au départ, mes compositions sont de grandes improvisations dans tous les sens du terme, comme je ne suis pas lecteur, je n’écris pas sur papier mais je joue et m’enregistre avec tout et n’importe quoi, je provoque l’inspiration puis je laisse venir, souvent je rejette puis reprends, j’ai besoin de me mettre dans un état d’écoute profond et là tout devient permis, je peux par exemple utiliser ma voix ou ma basse pour ébaucher un rythme, une mélodie, un accord puis directement y introduire le violoncelle et parfois cette petite ébauche ne sera pas utilisée mais aura ouvert un chemin vers d’autres sensations plus magiques que je développerais ultérieurement. Je ne suis pas du genre à théoriser ou à écrire un essai de 500 pages avant de sortir un son, je travaille instrument en main d’ans l’organique, la spontanéité avec brutalité parfois mais pour mieux sortir douceur et tendresse. Il arrivé que la méthode de travail soit plus douce en cherchant sur un piano, harmonie et rythme , imaginant le décor ou l’atmosphère que je planterai autour en studio. J’essaye d’éviter les règles et les systèmes mais comme tout être humain parfois je n’y parviens pas mais le fait d’avoir tenté d’éviter certaines habitudes m’amène souvent vers quelque chose d’inattendu au final.En général, je travaille dans mon studio, là, tout est prêt à être enregistré et si besoin, re-traité sur le champs ! micros et interfaces prêt à l’emploi et ensuite, j’ai besoin d’aller vite pour les choses techniques de manière à rester le plus léger et fluide lorsque l’inspiration vient. Comme je le disais au début, il s’agit bien d’une grande improvisation dont je ne conserverais que l’essence même. Bien sûr, lorsque l’on me commande une musique pour la Danse, le Théâtre, le Film, j’ai des contraintes précises (atmosphérique-utilisation d’instrument particulier-ruptures…) mais ma méthode reste identique. Je m’adapte.

Que penses tu des logiciels prêt à l'emploi, on en voit dans les domaines de la world, l'ambient, l'électronique... Le tout "prêt à l'emploi" ( textures, séquences, voix...) ne tue t'il pas la recherche, l’inspiration ?
Je pense que si l’on veut rester soi-même, il vaut mieux ne pas trop utiliser ces choses prêtes à l’emploi, certains logiciels sons sont intéressants et j’en utilise parfois mais hors du contexte proposé et mêlés à mes propres sons ou textures. Il faut savoir garder ses distances mais ne pas se fermer.
Je fais partie de ces gens qui utilisent la technologie et qui ne veulent pas la mettre en avant,
devant ! Je m’y intéresse et je développe autour… Elle doit être au service, de nos idées, de nos envies, des émotions que nous voulons communiquer. Je trouve que certains compositeurs et artistes, actuellement se cachent derrière leur équipement, leurs logiciels et leur théorie et l’on a parfois du mal à sentir quelque chose derrière et c’est toujours très froid et généralement cela ne va nulle part …

Propos recueillis par Thierry Moreau au printemps 2019


MISSA FURIOSA : Article et entretien réalisé à l'occasion du concert de ZABOITZEFF & CREW
au Théâtre Toursky de Marseille, le 18 janvier 2005

Par Stéphane Fougère, 18/01/2005

Cela fait déjà plusieurs années que vous travaillez sur la Missa Furiosa (environ cinq ans ?). Quel a été le déclencheur du projet ? Y a-t-il eu des antécédents ou des prémices dans votre production artistique qui vous ont poussé à développer cette création tant sur le plan musical que scénique ?
Thierry ZABOITZEFF : Les idées de réaliser un tel projet sont nées il y a effectivement cinq ans. Le montage financier m’a pris beaucoup de temps, et il a fallu aussi trouver une scène pour co-produire la première (au Linz Bruckner Festival édition 2002, en collaboration avec Posthof-Linz et Szene-Salzburg). Je composais depuis un certain temps des musiques très solennelles, trop solennelles, pour en faire réellement quelque chose à priori de solide et plus j’avançais, moins je me prenais au sérieux. Tout cela frisait la caricature de mon travail avec ART ZOYD, dont je voulais définitivement m’éloigner, et j’ai fini par mettre tout ce matériel trop « churchy » de côté.

Dans le même temps je rêvais de travailler sur une œuvre vocale dans un registre classique, mais très direct et très énergique. Le timbre des voix classiques m’intéressait, mais hors de leur contexte habituel (classique-contemporain). L’autre souci était : des chants, oui, mais avec quels textes ? Je ne souhaitais vraiment pas entrer dans un processus chanson ou lied classique. Dans le même temps j’avais très envie de créer des choses avec du matériel techno-house mais sans entrer forcément jusqu’au bout dans ces systèmes.

L’aspect qui me faisait bouger était l’énergie et la transe et je me suis vite fatigué d’écoutes successives pour ma documentation. Je me suis dit : « OK, j’aime ce truc, mais ça n’est pas le mien et d’autres le font très bien. » Je ne voulais surtout pas prendre des trains en marche. Et tout s’est retrouvé provisoirement dans des tiroirs, car je me fixais trop de restrictions et je me sentais dépassé par cette nouvelle approche qui, je dois l’avouer, m’effrayait.

Quelques mois plus tard, par hasard je redécouvrais ces esquisses et, là, j’ai commencé à chanter moi-même par-dessus les premières maquettes en utilisant des onomatopées et en évitant surtout de tomber dans le kobaïen (recherche d’identité oblige). Le tout sonnait accidentellement italien, d’où le glissement vers le latin, ensuite le glissement vers les textes de la messe… Le projet venait de naître : Introitus/Kyrie/Gloria/Lacrimosa/Dies Irae/Requiem/Agnus Dei/Libera me.

Il me restait à l’approfondir, à le structurer et à le nourrir. Dans ce déluge de riff technoïdes, j’écoutais beaucoup MOZART à cette époque. Cela peut expliquer l’adaptation courte du Requiem de MOZART dans la Missa Furiosa. Toujours en me moquant un peu de moi-même: beaucoup de compositeurs classiques contemporains ont créé autour de la messe, et je me suis dit : «A mon tour aussi, maintenant.»

Avez-vous souhaité synthétiser tout ce que vous aviez entrepris auparavant sur la matière vocale ou seulement développer de nouvelles approches ?
TZ : Je n’ai pas eu conscience de faire une synthèse. Il s’agissait vraiment pour moi d’une nouvelle expérience.

La Missa Furiosa peut se présenter sommairement comme la combinaison de deux formes de rassemblements populaires : le rite religieux et la célébration ou fête profane moderne. Avez-vous cherché à travers ce spectacle et sa partition à souligner les affinités entre ces deux environnements ou leur différences ?
TZ : Oui. De tous temps les croyants, catholiques par exemple, se sont appropriés les rites païens, les ont détourné et souvent inscrits au calendrier de fêtes religieuses. J’ai donc recherché ce mélange, il n’était jamais question pour moi de rester purement dans le mystique et le religieux. Mais ce n’est pas non plus un projet ironique et j’ai tenu au plus grand respect du religieux même si, au fond, je suis en désaccord.

Votre messe comprend tous les éléments constitutifs du rituel mais intègre, sur les plans musical et vocal, des aspects qui dépassent la seule référence catholique et occidentale, comme l’utilisation (au moins sur scène) du oud, qui renvoie à une autre culture. La Missa Furiosa a-t-elle vocation à avoir une «résonance universelle» ou en tout cas « pluriculturelle » ?
TZ : Comme je l’ai un peu expliqué auparavant, je recherchais l’universel ; j’ai donc très vite dans cette pièce introduit des éléments de culture religieuse différents (islam, hindouisme…) mais jamais dans une réflexion profonde. Je voulais une transe de la bigoterie mondiale.

Qui dit « techno » pense « programmations rythmiques » ; mais le groupe CREW comprend aussi un vrai batteur, Peter ANGERER. Comment s’est défini son rôle par rapport à cet environnement électro ?
TZ : J’ai très souvent utilisé les programmations rythmiques pour leur froideur et leur rigueur et aussi pour leur références culturelles (depuis KRAFTWERK jusqu’à aujourd’hui dans la scène techno-électro). En écoutant les premières maquettes du projet, j’ai trouvé ces rythmiques tellement banales que j’ai désiré leur donner une autre vie en invitant un batteur à rejouer par-dessus ou à jouer contre, selon les pièces. J’avais besoin de chair, de vivant, surtout concernant les rythmiques (alliances timbrales : loops-batterie-percussions acoustiques-basse).

De même, les compositions font appel à une grande variété de cordes (basse, violoncelle, violon, oud…). Quel est exactement leur rôle ?
TZ : J’aime les cordes et leurs innombrables possibilités. Lors du montage du projet, j’ai même pensé à un quatuor à cordes électrifié pour remplacer toutes les parties de synthés mais, pour des raisons économiques, je n’ai pu réaliser ce rêve. J’ai donc conservé les synthés en leur ajoutant un vrai violon et un violoncelle sur le même principe que pour les percussions.

La performance que vous avez donnée au théâtre Toursky, à Marseille, a surtout privilégié la forme «concert» ; mais l’œuvre scénique est à l’origine un spectacle entier incluant des projections d’images. Pouvez-vous nous en dire plus à ce sujet (types d’images, leur rôle par rapport à la musique…) ?
TZ : Pour la création, nous avions effectivement commencé à concevoir le projet avec des projections d’images, car le thème de la Missa était l’icône. Après divers essais, nous nous sommes aperçus que nous nous trompions de chemin. Tout était devenu froid et bêtement esthétisant et nous avons très vite oublié cette idée en décidant que l’icône serait vivante sur scène par des moyens scénographiques plus traditionnels comme des éléments de décor, par exemple un chariot infernal et drôle à la fois pour le Kyrie que conduisait l’un des chanteurs tout en assurant sa partie vocale ; une boule de feu qui explose et délivre de l’encens pour l’Introitus ; une marionnette représentant le Christ, manipulée par les musiciens pour le Requiem, etc., le tout savamment éclairé par Eric LOUSTAU-CARRERE. Nous étions donc très loin de la version concert de Marseille mais qui a aussi d’autres qualités.

Ce n’est pas la première fois que vous travaillez avec le metteur en scène Stéphane VÉRITÉ. Qu’est-ce qui vous plaît dans son travail ou sa conception des choses ?
TZ : Je collabore avec Stéphane VÉRITÉ depuis 1989 sur des projets variés (théâtre, danse, évènements, installation lumières et son). Nous avons mené à bien toutes sortes de créations modestes et souvent énormes et ambitieuses telles que l’inauguration du Globe Arena de Stockholm (la plus grande halle de sport en Europe) par exemple.

Nous travaillons ensemble chaque fois que possible, nous avons une langue commune, si bien que nous développons les choses dans une fluidité et une courtoisie sans pareil. Il était tout à fait naturel qu’il se retrouve dans l’aventure Missa Furiosa.

Notre chemin se poursuit, car il m’a invité à composer et à jouer sur scène la musique de Voyage au centre de la Terre à l’occasion de l’année Jules Verne. Un spectacle d’images géantes aura lieu au Stade de France les 16/17/18/19 décembre 2005. Je serai, pour l’occasion, entouré d’une toute nouvelle équipe adaptée à ce projet.

Je suppose que la Missa Furiosa, de par son ampleur, constitue une sorte de tournant dans votre parcours artistique. Cela vous a-t-il donné d’autres perspectives de création en rapport avec l’électro, la musique sacrée ou la musique vocale, par exemple ?
TZ : Chaque projet pour moi a toujours été un tournant vers un ailleurs – ce qui me réjouis dans ce métier – et j’ai du mal à concevoir qu’il en soit autrement.

Sitôt la Missa terminée j’ai enchaîné exceptionnellement avec un projet un peu similaire mais en duo : une adaptation électro de chants de pèlerinage du XIIIe siècle Llibre Vermell De Montserrat avec l’une des chanteuses de la Missa, Sandrine ROHRMOSER. Dans ce projet, je chantais également et jouais du violoncelle, de la basse, et j’assurais la partie électronique, etc. Le challenge était différent, car là je voulais respecter complètement les textes en catalan ainsi que les mélodies originales. Et je crois qu’il est temps de passer à autre chose, mais je suis heureux d’avoir monté ces projets qui peuvent continuer à exister, à tourner si l’occasion se présente.

Le spectacle live de la Missa a été, outre deux dates en France, joué principalement en Autriche. Je me doute que sa structure même ne lui permet pas d’être programmé partout pour raisons financières ; mais y aurait-il par hasard en Autriche plus de scènes ouvertes à ce type de spectacle qu’en France ?
TZ : Non, il n’y a pas plus de scènes ouvertes à ce genre de projet qu’en France. J’ai été reçu merveilleusement bien par une structure plutôt portée sur la musique classique contemporaine, Bruckner Festival-Linz, qui m’a fait totalement confiance pour monter ce projet en collaboration avec un lieu plutôt rock : le Posthof-Linz et je les en remercie vivement.

Site :

Article et entretien : Stéphane Fougère
Photos : Sylvie Hamon


Thierry Zaboitzeff
Un Zoyd seul

par Massimo Ricci - 2002

Identifier Zaboitzeff à Art Zoyd est automatique : depuis 1971, Thierry compose de la musique pour cet ensemble légendaire, qui a été décisif pour le développement de tant d'autres discours artistiques des années 1930. Deep Listenings, dans les premières années de son existence, a consacré un article au groupe français ; depuis, les choses ont changé et leur fondateur les a quittés pour se lancer dans une carrière solo qui, bien qu'elle ait commencé pendant la joint venture, a pris des connotations totalement personnelles après avoir quitté la maison mère.

Né dans le nord de la France, Zaboitzeff joue du violoncelle, de la basse, des guitares et des claviers. Il possède également une voix merveilleuse et profonde, souvent altérée par un timbre semblable à celui du loup-garou. Il a toujours associé ses idées artistiques à
d'importants projets multimédias : les plus récents comprennent des spectacles de danse moderne chorégraphiés par sa partenaire actuelle Editta Braun.
sa compagne actuelle Editta Braun, dont les témoignages sont immortalisés sur ses CD de plus en plus fréquents.

Dès le début de sa carrière, le Docteur Zab a offert son alchimie pour des expositions photographiques, des films muets, des vernissages, des galeries et des théâtres.
ouvertures de théâtres, galeries d'art moderne. La capacité de composition de cet homme réussit à évoquer des images à travers des paysages sonores et des samples (Thierry lui-même le confirme), mais ce qui me frappe le plus à l'écoute, ce sont les extraordinaires lignes de basse - pas forcément les
des lignes de basse extraordinaires - pas nécessairement l'instrument, mais la partie écrite, même si elle est jouée par d'autres voix ou par des voix orchestrales ; une base indispensable sur laquelle reposer de temps à autre des accords suspendus ou des sons échantillonnés non éthérés,
souvent pénible.

Depuis l'époque d'Art Zoyd et de "Ballade", les harmonies créées par le Français sont capables, au bon moment, de toucher le public.
bouche de l'estomac, générant la chair de poule en quantité comme effet secondaire. Quelques passages de la musique de Thierry
sont reconnaissables en une fraction de seconde et c'est le meilleur compliment que l'on puisse faire à un artiste.

Le premier album solo de Zaboitzeff est sorti en 1984 - 'Promethee' - et peut être décrit comme un autre disque d'Art Zoyd dans la mesure où il partage des parties communes avec 'Le mar marmalade'.
des parties communes avec "Le mariage du ciel et de l'enfer". Nous y trouvons des écrits mystérieux et gratifiants, des vocalis
entre le soliste et le chœur "à la Magma", percussion réverbérée, saxophone en arrière-plan, échos de l'orgue minimaliste de l'école de musique.
Philip Glass of vintage. La basse et les guitares glissent fréquemment dans la dissonance tandis que les voix traitées émettent...
le gnome sylvestre hurle... Le final, qui met en scène des boîtes à rythmes frénétiques et des bandes dont la vitesse est modifiée, est une ve-
un délire croissant.

Il faudra attendre 1992 pour le nouveau chapitre solo, intitulé "Dr. Zab and his robotic strings orchestra". Nous pouvons déjà
On peut déjà parler d'excellence : le CD contient une série d'architectures qui captent l'attention et chatouillent le sens esthétique dès le premier instant, fondamentale
Dès le premier instant, des titres phares tels que "Miracle à Bagdad", "Dr. Zab", "Serenite" et le magnifique remake de "Mi-" ont été interprétés.
grations" par Art Zoyd. Zaboitzeff applique le concept Zappa de "continuité conceptuelle" à sa musique, en réutilisant les éléments suivants

thèmes connus ou récurrents d'une œuvre à l'autre, en jouant tous les instruments en solo (à l'exception d'une piste où il y a Andre
Mergenthaler au saxophone) pour ce qui est l'un des meilleurs points de départ pour apprendre à le connaître.

En 1997, un nouveau disque magnifique sort : "Heartbeat", dont la couverture montre le masque intense de Thierry fixant l'objectif, nous présentant un autre excellent album ; c'est le premier partenariat avec Braun et la musique, fragmentée comme toujours, est fraîche et déterminée. Cela va de citations illustres ("See me feel me" des Who, réharmonisé de manière à faire froid dans le dos, "Kijè" de Prokofiev) à d'ingénieuses pièces originales taillées pour voix, claviers et cordes, en passant par la nouvelle version de "Clear light", dans laquelle on retrouve une vieille passion de Zab, les voix de pygmées - hommes et femmes - accompagnant, chacune dans un canal stéréo, l'arpège répétitif qui caractérise le morceau. Le bon mot est... en mouvement. India" (1998) est également fondamental. Comme l'expliquent le titre et les notes de pochette - et comme on peut l'entendre en écoutant - le concept est extraordinairement influencé par l'origine indienne des voix et des instruments utilisés dans les textures ; cependant, Zaboitzeff n'exagère pas avec l'exotisme, mais applique seulement une pincée des bons ingrédients à sa propre sagesse, nous donnant, comme d'habitude, quelques moments de pure extase - surtout, je citerais "Loneliness", qui est l'habituel aperçu de l'infini qu'un musicien complet est capable de donner quand il réussit le chef-d'œuvre.

En 1999 est apparu ce que j'appellerais le seul véritable faux pas de notre part à ce jour, à savoir "Les chants d'Alice et du".
vieux monde". Malgré quelques mérites du pastat - l'ouverture "Alice à la rivière" est très belle, tout comme "Le trou" - on retient surtout du CD la présence continue et obsessionnelle de l'échantillonnage d'une jeune fille rieuse, certainement liée à la représentation théâtrale mais qui, d'un point de vue audio, pénalise totalement l'œuvre, devenant extrêmement gênante au fil des minutes. Cela détourne l'attention même des meilleurs passages,
Alice" est un album à ne pas manquer.

Il revient au niveau avec la pièce suivante, "Miniaturen" (2000), sous-titrée "Suite zoydienne en trois mouvements" - cela dit, tout est dit.
à. Christian Kapun à la clarinette et Peter Angerer à la batterie accompagnent Zaboitzeff dans ses lucubrations, contri-
à un son qui, à bien des égards, renvoie à l'ancienne société Zoyd, parfois à la limite de la musique libre avec des influences de jazz, en explorant
avec des influences jazz, en explorant des cavernes pleines de références gothiques, en s'ouvrant aux merveilleux aperçus de sérénité que seul
que seul Thierry sait donner : la sous-piste 27 du deuxième mouvement, encore un thème récurrent, est une minute et demie que
ne passera pas inaperçue aux yeux des personnes sensibles..... La même année, il y a 'Nebensonnen', avec une instrumentation
moitié acoustique et moitié électronique ; une série d'esquisses qui n'atteignent que partiellement les niveaux d'excellence à la portée de la
la portée du Français, notamment lors des harmonies articulées des pièces basées sur la sonorité du piano, où l'oreille évoluée de Zab
L'oreille évoluée de Zab trouve des résonances justes qui satisfont pleinement ; en revanche, certains timbres de bois et de cordes obtenus synthétiquement dans diverses parties du disque laissent perplexe.

À l'heure où nous écrivons ces lignes, le dernier chapitre de la saga Zaboitzeff est "Les groupes fantomatiques - Dr. Zab n°2", sorti en 2001,
dans lequel l'auteur s'amuse une fois de plus à mélanger les ingrédients d'un chaudron rempli d'éléments discordants. La co
Les belles chansons ne manquent pas et, en fait, nous trouvons au moins trois ou quatre joyaux sur le disque, notamment "Fraven", dont la mélodie aux cordes et à la basse...
en moins de trois minutes fait vibrer les murs de ma chambre et mon cœur ; "Landregen", linéaire et cristallin ; "Le pal
mier du levant", qui frappe au plus profond de l'âme. D'autre part, il y a quatre réinterprétations de chansons célèbres des Beatles.
et une "Petite danse italienne" que je préfère ne pas juger, car j'ai peut-être manqué l'esprit quelque part entre iro-
ny et l'hommage avec lesquels ils ont été exécutés. Je trouve que "Fantomatick bands" est une sorte d'amusement pour Thierry et ses collègues.
J'ai l'impression que je peux pardonner les petites imperfections d'un vome qui est capable de fournir une grande émotion.
et une réelle substance dans chacun de ses épisodes. L'entretien suivant a été réalisé en juillet 2001.

Entretien avec Thierry Zaboitzeff

Massimo : "Parlez-moi de votre première pensée lorsque vous vous asseyez et commencez à composer. Improvisez-vous en rassemblant des idées ou écrivez-vous tout à l'avance ?
à l'avance" ?

Thierry : "Mes points de départ sont très différents et dépendent du type de projet (danse, théâtre, événements). Je prépare donc des indications d'atmosphères ou de rythmes, que j'utilise pour le début. Mais en dépit de ces indications, j'essaie d'être libre,
Je ne m'enferme pas dans un seul concept et je veux pouvoir changer la composition à tout moment. I bi-
rêver de travailler comme un sculpteur directement sur la matière (échantillons, enregistrements, manipulations électroniques, instruments)
et pour cela, j'ai mon propre studio numérique. D'autres fois, le point de départ est déjà totalement dans ma tête et je le développe au piano jusqu'à la fin, en arrangeant la musique dans ma tête.
jusqu'au bout, en l'arrangeant et en l'enregistrant de diverses manières... mais au final le choix est difficile..."

M. : "Vous êtes un excellent bassiste et violoncelliste, mais beaucoup de gens ne considèrent pas l'aspect "virtuose" de votre activité de musicien. Avez-vous déjà pensé à devenir soliste ou la composition a-t-elle toujours été votre principal centre d'intérêt ?
T. : "Merci, mais je ne suis pas intéressé par la virtuosité, je cherche plutôt un ensemble orchestral avec un dram-...
des sons méticuleux qui créent des mélodies, des rythmes, des harmonies et des ambiances".

M. : "Parlez-moi de votre rencontre avec la musique quand vous étiez jeune, comment avez-vous commencé ?
T. : "Quand j'avais 14 ans, je n'avais aucune idée de faire de la musique, ce qui m'intéressait c'était d'être à la maison, je n'avais aucune éducation musicale et naturellement ma sensibilité m'a conduit vers la musique rock et le son rock des années 60 et du début des années 70. J'ai commencé à jouer au chi-
tarra et des reprises de basse mais ce n'était pas suffisant, alors j'ai été heureux de découvrir Frank Zappa, Soft Machine,
Amon Duul, Magma... Soudain, une nouvelle couleur a fortement touché mon cœur. De mois en mois, ma curiosité pour le jazz, le classique, le contemporain grandissait rapidement, j'avais faim de choses différentes, à la fois pour mon propre plaisir et pour apprendre moi-même.
et d'apprendre moi-même.

M. : "Votre son est souvent empreint d'atmosphères oniriques, voire cauchemardesques. Comment expliquez-vous cela ?
T. : "Je vois la musique comme une scène de théâtre avec un drame, écoute profonde comme un film avec différents plans ; je n'ai jamais imaginé une belle construction harmonique mais j'ai besoin d'images des images fortes en arrière-plan, des choses que vous ne pouvez pas obtenir avec des mots. Je cherche à la fois le beau et l'organique..."

M. : "Pourquoi avez-vous quitté Art Zoyd et que reste-t-il de cette expérience pour vous en tant qu'artiste et être humain" ?
T. : "J'ai quitté Art Zoyd après 25 ans d'une merveilleuse collaboration, mais au cours des 10 dernières années, nous n'avons fait que trois...".
des enregistrements sonores de films (Nosferatu, Faust, Haxan) avec à chaque fois les mêmes éléments et trop d'échantillons pour ma gu-
sto. En même temps, je me sentais très créatif, d'une manière qui n'était pas compatible avec les autres projets d'Art Zoyd".

M. : "Pensez-vous que votre musique soit mieux appréciée en soi en l'associant à un contexte visuel" ?
T. : "J'espère et je préfère qu'elle soit seule, mais avec un concept visuel, le sentiment devient complètement différent, vous pouvez lire différents degrés de la musique elle-même, certaines musiques ne sont pas aussi bonnes que d'autres.
degrés de la musique elle-même, certaines des associations entre l'image et la musique sont absolument inattendues et fournissent des clés pour de futures œuvres et pour la musique elle-même.
fournir des clés pour les travaux futurs et pour votre public. Je considère cela comme une grande chose.

M. : "Décrivez votre lien artistique avec Editta Braun, pour laquelle vous avez le plus composé ces dernières années".
T. : "En même temps que j'ai arrêté avec Art Zoyd, j'ai commencé une liaison sentimentale et artistique avec Editta Braun, une coopérative autrichienne.
reographe d'Autriche. Très vite, nous avons décidé de travailler ensemble sur différents projets de danse et nous continuons jusqu'à ce jour.
Nous créons rapidement une construction artistique : par exemple, elle me fournit des mots, des images, des textes et des couleurs pour me guider dans mon travail. pour un nouveau spectacle et je commence immédiatement à travailler ; ensuite, nous élaborons ensemble le montage des scènes et l'adaptation théâtrale.

M. : "Quelles sont vos principales influences, vos disques et musiciens préférés ?
T. : " Stravinski, Davis, Mozart, Fripp, Bach, Hendrix, Kalshoum, Kraftwerk, Bartok, Reich, Wyatt, Fauré, Nusrat Fateh
Ali Khan, Prokofiev, Vivaldi, quelques DJ et MC technoïdes et quelques chanteurs pygmées anonymes. En ce moment, mon régime préféré.
Les croquis préférés sont : Concerto pour 2 pianos et percussion (Bartok), "Are You Experienced" (Hendrix), "Rock Bottom".
(Wyatt), "Bitches brew" (Davis) ; il est difficile de donner une réponse objective car mon humeur change souvent et parfois je n'ai pas envie d'écouter d'autres artistes.
Je n'ai pas envie d'écouter d'autres artistes..."

M. : "Qu'est-ce qui vous plaît dans la vie de tous les jours" ?
T. : "Ma femme, mes enfants, l'amour, le bon vin, bien manger, le plein air, la natation, le théâtre, la danse, le cinéma et le travail dans mon studio" "

M. : "Êtes-vous satisfait de l'évolution de votre carrière ? Et enfin, quel est votre objectif premier, non seulement dans l'art mais aussi dans la vie' ?
T. : "En général, je suis heureux ! J'ai besoin d'une grosse surprise à chaque fois que je réfléchis à un nouveau projet, et je...
Je l'ai... Mais je suis conscient que mon style de musique est en dehors du courant dominant et qu'il est compliqué d'y survivre...
mais c'est mon choix, je me sens libre dans la vie ; je suis libre, sincère et ouvert".

Massimo Ricci Traduit 


par Elena Savitskaya etVladimir Milovidov, 2015

Thierry Zaboitzeff et Gérard Hourbette (Art Zoyd) : La musique, c'est comme les ponts
Le groupe avant-progressif français Art Zoyd a un énorme héritage et reste une unité active, bien que peu fréquente, sur scène. L'année dernière, le groupe a donné un concert époustouflant au festival Rock In Opposition 2015 (France, Albi, Cap D'Couverte) : 2,5 heures de musique, dix musiciens exceptionnels sur scène, dont les deux maîtres d'œuvre du groupe, le bassiste/celliste Thierry Zaboitzeff et le violoniste Gérard Hourbette, qui n'ont pas joué ensemble depuis 1997. Et le 7 décembre 2016, le groupe va jouer un dernier concert de retrouvailles dans la ville natale d'Art Zoyd, Valenciennes ! Un événement énorme qui nous a inspiré la publication du texte énorme suivant.

Raconter l'histoire d'Art Zoyd est une tâche énorme. Demander aux musiciens eux-mêmes est une chance inouïe que nous avons eue deux fois. La première, lorsque Thierry Zaboitzeff a gentiment accepté de répondre à nos questions par e-mail. La seconde, lorsque nous l'avons rencontré en personne, ainsi que Gérard Hourbette, le lendemain de leur concert triomphal au RIO Festival'2015. La première conversation est devenue la base d'un article de fond dans le magazine "InRock" (numéro #3(71)/2015). La deuxième partie attendait son heure jusqu'à maintenant. Au lieu de les fusionner de manière chronologique, nous avons décidé de les laisser "telles quelles", parce que chaque détail est important et qu'il n'y a pas tant d'interviews en anglais avec Art Zoyd que ça. Nous disposons donc d'un matériel vraiment unique, qu'il est nécessaire de partager avec tous les fans de prog / avant rock.

La musique d'Art Zoyd sera bientôt une matière scolaire.
Thierry, parle-nous de ton histoire avant Art Zoyd. Où et quand êtes-vous né ?

Je suis né le 27 juillet 1953 à Maubeuge, une petite ville du nord de la France, voisine de la frontière belge, entre zones industrielles et rurales.
belge, entre zones industrielles et rurales.
Votre nom de famille semble très russe. Avez-vous des racines russes ou autres racines slaves ?
Mon grand-père paternel était russe, de la région d'Arkhangelsk. Il a été naturalisé français et a passé la moitié de sa vie en France.

Quelle a été votre éducation, musicale et générale ?
Je n'ai pas vraiment étudié la musique, même si parfois j'accompagnais mon grand-père (l'autre, non russe) à l'église, où, sur la tribune, il jouait de l'orgue pendant les liturgies, les mariages et les enterrements. C'était vraiment impressionnant pour l'enfant que j'étais à l'époque. 

Quelles ont été vos inspirations et les raisons qui vous ont poussé à devenir musicien ?
Au tout début de mon adolescence, je me suis vraiment intéressé à la musique amateur, puis au rock, mais pas celui de Presley & Co. mais celui de Bob Dylan, des Beatles, des Rolling Stones, de Jimi Hendrix, etc. Puis, pendant un court moment, je m'intéresse aux toutes premières compositions de Pink Floyd, puis de Soft Machine, Frank Zappa, Miles Davis... Et petit à petit, j'ai découvert d'autres compositeurs tels que Bartok, Stravinsky, Varese, Pierre Henry, Berio, Kagel...
A cette époque, j'ai commencé à ressentir le fort besoin de faire de la musique, mais avec la ferme conviction que ce ne serait pas en imitant les autres. Ces sentiments étaient très vagues, diffus à cette époque.

C'est aussi à cette époque que vous avez rencontré Gérard Hourbette ?
Nous habitions dans la même ville. J'ai rencontré Gérard un jour dans mes pérégrinations. Et à partir de ce moment-là, tout s'est accéléré.
Gérard avait une formation classique et étudiait le violon au conservatoire, et moi j'étais un guitariste amateur,
inexpérimenté mais prêt à tout.
Nous étions tous les deux à la recherche de diverses expériences (guitares préparées, violons dans l'écho, divers effets sonores analogiques, sons distordus mais aussi parfois spatiaux...). Notre premier groupe venait de naître, nous l'avons appelé "Dream 1". Duo qui s'est transformé en trio quelques semaines plus tard avec le bassiste Guy Judas, dont je n'ai pas de nouvelles.
Quelques mois plus tard, Gérard rencontre Rocco Fernandez dans un magasin de musique de la ville près de Valenciennes. Rocco a tout de suite été intrigué par le physique de Gérard (crâne rasé, manteau de fourrure, nombreux colliers et bracelets et un violon sous le bras).
Ils ont fait connaissance, nous avons fait connaissance et presque le jour suivant nous avons rejoint l'Art Zoyd.

Il y a différentes informations sur le moment où Art Zoyd a été formé. Wikipedia mentionne 1968, le site - 1969, votre propre site - 1971 (l'année où vous avez rejoint le groupe). Et le nom de la tournée actuelle, "44 1⁄2", indique probablement 1971... Confusion, désolé ! Art Zoyd est né en 1969, et Gérard et moi avons rejoint le groupe en 1971. Le nom de ce projet (44 1⁄2) correspond à cet anniversaire.

Désolé pour la question primitive : que signifie le nom "Art Zoyd" et qui est l'auteur de ce nom ?
Ce nom a été créé par Rocco Fernandez et le manager d'Opaline Records avant la sortie de "Sangria".
- le premier single d'Art Zoyd. A l'origine, le groupe s'appelait Experimental Music. Un nom pas très original ! Ils ont pensé que le nom devait refléter un peu le côté étrange (bizarre en français) de la musique. Ils se sont réunis autour d'une table pour trouver un nom qui sonnerait assez étrange, pour ainsi dire, "bizarre". Soudain, ils ont trouvé le mot bizarroïd, puis en inversant certaines lettres, ils ont obtenu arzoïd. Ce mot inventé rappelait l'art du zoïd. Après quelques petites recherches, ils ont opté pour Art Zöyd, plus attrayant et plus mystérieux.
Pourquoi le groupe s'est-il appelé "Art Zoyd III" pendant un certain temps ?
C'est devenu Art Zoyd III quand Gérard et moi sommes arrivés. "III" parce que c'était le troisième changement de line-up. On est revenu au simple Art Zoyd un peu plus tard. Ce nom complètement inventé était fait pour intriguer et faire parler. Je crois qu'il est très réussi et qu'il plaît aussi graphiquement.

Comment avez-vous commencé à jouer de la basse ?
Quand nous avons commencé, il y a eu quelques répétitions très excitantes avec Rocco qui faisait une sorte de Frank Zappa local dans son approche musicale et son look. Puis quelques semaines plus tard, notre bassiste (Guy Judas) nous a quitté. Nous avons dû le remplacer rapidement, mais nous n'avons trouvé personne et Rocco m'a demandé de garder la basse dans le groupe, ce que j'ai fait avec grand plaisir et fierté. Mais j'ai eu une tâche difficile pour l'apprendre...

Mais tu l'as quand même aimé.
Oui, j'aime beaucoup cet instrument. Son rôle est devenu encore plus important depuis que nous avons décidé de travailler sans batterie, après le départ de Rocco, et la basse a trouvé une place en tant qu'instrument rythmique, mélodique, de percussion...

Et quand avez-vous commencé à jouer du violoncelle ?
Le violoncelle est arrivé pour l'album "Musique pour l'Odyssée". J'étais impressionné et attiré par les sons que Gérard produisait sur son alto, alors, comme je voulais plus de diversité dans la qualité sonore des cordes, j'ai fait un pas. Il m'a offert un violoncelle et j'ai failli abandonner tant il était difficile d'apprendre à en jouer, mais j'ai persévéré et j'en suis très heureux aujourd'hui.

D'où vient le trompettiste, Jean-Pierre Soarez ?
Jean-Pierre Soarez nous a rejoint en 1973. A cette époque, Jean-Pierre jouait dans différents groupes de reprises. Nous avions
Nous avions entendu parler de lui pour ses improvisations folles et ses interventions ici et là. Un ami musicien nous l'a présenté et nous sommes restés ensemble jusqu'en 1985.
Il a une manière très particulière de jouer de la trompette, avec beaucoup de tension, mais aussi de la subtilité. C'était et c'est toujours très important de travailler avec lui. Il a beaucoup à voir avec le son spécifique d'Art Zoyd.

Parlez-nous du mystérieux Rocco Fernandez...
Dans notre région, Rocco Fernandez était surnommé "Franck Zappa du Nord" à cause de son look, de son côté drôle et de ses provocations musicales. Je lui dois beaucoup, j'ai énormément appris de lui. Il était inventif et allait toujours de l'avant.

Pourquoi il a quitté Zoyd Art en 1975 et qu'est-ce qu'il fait maintenant ?
Après sept ans de tournées et de concerts très enrichissants et mal payés, Rocco a eu un gros coup de fatigue. Il a perdu toute envie, toute motivation et a décidé calmement de quitter le groupe et la musique en général. Il a confié la direction d'Art Zoyd à Gérard et moi.

De votre premier EP "Sangria" (1971) à "Symphonie pour le jour où brûleront les cités" (1976) vous avez changé radicalement - du psychédélisme lourd au rock de chambre/avant.rock. Presque aucun instrument rock à part la basse, pas de batterie... A quel point était-ce courageux/effrayant d'abandonner les méthodes habituelles du rock et, littéralement, de "brûler les villes" derrière vous ?
Après que Rocco nous ait quittés, nous avons souhaité nous remettre en question. Nous étions très fatigués de faire les compositions avec cette pulsation continuelle de la batterie et des clichés du jazz rock. Nous rêvions d'autres choses, plus instables, plus souples, jouant avec les différences de dynamiques sans être figés entre charleston, caisse claire, grosse caisse et pluies de cymbales. Nous avons commencé à expérimenter, à donner des rôles inhabituels aux instruments - basse, deux violons, trompette... Et le résultat pour nous était magnifique, le son nous semblait unique.

Pourquoi ce titre si "apocalyptique" de l'album - "Symphonie pour le jour où brûleront les cités" ?

Notre décision était de ne pas écrire de chansons pop. Chaque pas en avant allait vers une recherche, une modernité, une sensibilité propre.
Nous devions essayer de casser les codes, nos codes. Notre musique à cette époque parlait de l'oppression des zones urbaines, des dictatures, de la surveillance, etc.

La musique a-t-elle été influencée par le "Quatuor pour la fin du temps" d'Olivier Messiaen ?
Personnellement, non. Bien que nous aimions ce compositeur et beaucoup d'autres, comme Bartok, Stravinsky...
...avec un peu d'humour !

Votre musique, surtout à l'époque, est pleine d'ambiances sombres, sinistres, effrayantes et d'harmonies dissonantes. Est-ce que vous voyiez vraiment le monde en noir à l'époque ?
Ce n'était pas seulement notre vision, le monde était comme ça, et l'est toujours ! J'admets que nous étions particulièrement lunatiques à cette époque, mais en général, je pense que nous aimions ça ! Nous aimions ces harmonies grattantes et agressives,
jouer dans des petits clubs...
ces rythmes syncopés et irréguliers. On faisait de la provocation presque un devoir et on cassait les préceptes, les dogmes du rock.
Nous cherchions un autre rock, intégrant les racines européennes, le jazz, le classique, le contemporain, l'expérimental...
En fait, ce qui nous attirait le plus dans le rock, c'était l'énergie, la puissance électrique des instruments.
Y avait-il alors une place pour l'humour dans la musique ? D'après les photos des premiers concerts, oui !
Oui, à côté de notre côté noir et mécontent, nous étions un groupe de gars qui aimaient bien rire, y compris de nous-mêmes et de notre musique. On pouvait le voir sur scène entre deux morceaux sérieux, par exemple, à l'époque de Rocco Fernandez (1971-75). On imitait des groupes de rock idiots et des stations de radio pop. Plus tard, dans l'album de 1976, nous avons poussé à l'extrême des compositions anciennes, en en faisant une caricature dans "Les Fourmis/Scènes de Carnaval". Je me souviens que ces performances humoristiques instrumentales étaient jouées à côté de morceaux sombres et sérieux et que le public appréciait cela, tout autant que nous !

Dans quelle langue avez-vous chanté là-bas ? Le kobaïen, peut-être ?
Non ! Pas de langue kobaïenne ici. A l'époque de Rocco Fernandez, il y a eu la tentation de chanter du Zoydien
("Sangria"). Cette idée a été vite oubliée ! Personnellement, j'ai souvent eu le désir d'utiliser la voix. Parce que je trouve que la voix qui chante, qui scande, qui crie, qui murmure a un pouvoir émotionnel extraordinaire dans la musique. Je ne voulais pas écrire des chansons avec des textes clairs. A mon avis, cela ne convenait pas à notre musique, j'étais plus intéressé par le côté organique du son de la voix.
Étant autodidacte, je composais sur ma basse, ma guitare, mon violoncelle ou plutôt sur un piano. Lorsque je recherchais des intonations spécifiques, j'imitais les parties instrumentales par le son de ma voix. Un jour, je me suis enregistré en train de travailler de cette manière, j'ai alors découvert la possibilité d'utiliser ma voix pour accompagner la musique. La voix est devenue un véritable instrument avec différents registres.
Au début, j'ai travaillé en prononçant des sons absurdes, qui faisaient écho aux autres instruments, comme des mots sans signification. Plus tard, j'ai commencé à inventer des mots qui sonnent de manière organique pour apporter une certaine structure, pour permettre à ces mots d'être prononcés chaque fois de la même manière. C'est comme un texte, un texte ancien dont on ne trouvait plus le sens.

En 1983, vous avez rencontré Roland Petit. Comment cela s'est-il passé, comment s'est passée cette rencontre ? Comment s'est passé le travail avec lui sur "Le Mariage du Ciel et de l'Enfer" ?
Un soir, après une répétition, Roland Petit rentre chez lui et allume sa télévision qui diffuse un de nos concerts, "Phase IV", spécialement filmé par la chaîne FR3. Il a été si touché, si impressionné par la musique qu'il a immédiatement téléphoné pour obtenir nos contacts. Quelques jours plus tard, nous nous sommes rencontrés à Paris et il nous a commandé la musique de son prochain ballet qui allait devenir "Les Noces du Ciel et de l'Enfer". Et il nous a demandé d'être présents sur scène. Il a ajouté : "Appelez ça comme vous voulez, j'aime votre musique, je veux danser [dessus]". On ne pouvait pas avoir de meilleur compliment !

Vous a-t-il donné des instructions sur le plan musical ou avez-vous tout décidé par vous-mêmes ?
Au même moment, nous préparions une tournée européenne avec un nouveau répertoire et des compositions en cours de développement. Nous avons convenu d'enregistrer nos concerts et de l'informer ainsi régulièrement de l'évolution de nos compositions. Roland Petit a travaillé avec les fragments et les idées que nous lui avons envoyés. Dès que toute la suite était terminée, nous avons peaufiné la musique en studio.

Comment s'est passé le passage des petits clubs aux grands théâtres prestigieux ? Pourquoi votre musique, encore très avant-gardiste par nature, a-t-elle connu le succès auprès du grand public ?

Nous avons souvent pensé à cela. Notre musique n'avait pas sérieusement changé. Je pense que "Les Noces du Ciel et de l'Enfer" est une pièce essentielle d'Art Zoyd, c'est un point très fort dans notre carrière et maintenant nous réalisons que notre musique, lorsqu'elle est associée à un autre médium, ne fait que multiplier sa force. Il nous a offert de nouveaux aspects et de nouvelles oreilles difficilement conquises autrement.
Le passage des petites salles aux grands théâtres prestigieux a été un grand changement. Mais un grand plaisir que notre musique ait trouvé un large écho.

Vous avez réalisé plusieurs œuvres avec des films muets des années 1920 : "Nosferatu", "Faust", "Häxan", et aussi "Le Cabinet du Dr Caligari" maintenant. Qu'est-ce qui est si proche de vous dans l'expressionnisme, dans toute cette esthétique de l'horreur ?
Dans mon cas, ce n'est pas seulement l'esthétique. Bien sûr, nous avons gardé ce côté atypique, cette attirance pour l'anormal, le fantastique... Oui, ces films sont des chefs-d'œuvre de leur époque et de l'expressionnisme, mais ce que je trouve le plus intéressant, c'est la possibilité de voir ces films dans un autre contexte que celui d'origine. Les ciné-concerts d'Art Zoyd ne fonctionnent pas dans le sens habituel de la bande sonore d'un film. Ils agissent dans
Art Zoyd primordial - bien sûr, le film commande l'action, il est notre chef d'orchestre, mais son pouvoir est limité par l'image seulement, sans dialogue, sans son, ce qui laisse une place très intéressante pour notre art, permettant d'apporter des perspectives différentes, de précéder, de déstabiliser, de détourner, de créer plus de couches avec la magie de la musique. 

Vous avez réalisé plusieurs œuvres avec des films muets des années 1920 : "Nosferatu", "Faust", "Häxan", et aussi "Le Cabinet du Dr Caligari" maintenant. Qu'est-ce qui est si proche de vous dans l'expressionnisme, dans toute cette esthétique de l'horreur ?
Dans mon cas, ce n'est pas seulement l'esthétique. Bien sûr, nous avons gardé ce côté atypique, cette attirance pour l'anormal, le fantastique... Oui, ces films sont des chefs-d'œuvre de leur époque et de l'expressionnisme, mais ce que je trouve le plus intéressant, c'est la possibilité de voir ces films dans un autre contexte que celui d'origine. Les ciné-concerts d'Art Zoyd ne fonctionnent pas dans le sens habituel de la bande sonore d'un film. Ils agissent dans
Art Zoyd primordial - bien sûr, le film commande l'action, il est notre chef d'orchestre, mais son pouvoir est limité par l'image seulement, sans dialogue, sans son, ce qui laisse une place très intéressante pour notre art, permettant d'apporter des perspectives différentes, de précéder, de déstabiliser, de détourner, de créer plus de couches avec la magie de la musique. 

Quels instruments jouez-vous actuellement, quelles technologies modernes utilisez-vous ?
Guitare basse, violoncelle, guitares, percussions, claviers, échantillonneurs virtuels, manipulations multiples + plug-ins DAW (Logicx / MachFive 3 / Digital Performer). En fait, rien n'est totalement moderne ! Juste une suite.

Quels sont les travaux solos les plus importants pour vous, les plus réussis sur le plan créatif ?
Sans parler de mes collaborations avec le théâtre, la danse, etc. - mes deux premiers
albums : "Prometheus / Dr. Zab", "Missa Furiosa / Seizième" et ensuite mon concert solo "Cross the Bridge". Dernièrement, le film concert "The Cabinet of Dr. Caligari".

Pourquoi avez-vous réintégré Art Zoyd ? C'est pour longtemps, ou juste pour la performance de cette année au RIO fest ?
Gérard et moi avions envie de jouer une fois de plus ou de faire jouer à quelqu'un le répertoire d'Art Zoyd 1975-2015. Nous avons décidé de réunir les anciens membres du groupe et l'équipe actuelle d'Art Zoyd. Nous avons pris contact, nous nous sommes rencontrés et nous nous sommes retrouvés comme il y a 20 ans. Et nous avons rapidement commencé à y travailler. La proposition de RIO a accéléré le processus.

Qui est le moteur des retrouvailles ?
Art Zoyd est la force motrice du projet que Gérard et moi avons créé, soutenu par la RIO et Michel Besset. Et une grande équipe de musiciens : Serge Bertocchi aux saxophones, Romuald Cabardos aux percussions et pads, Daniel Denis aux percussions et pads ; Yukari Hamada-Bertocchi aux claviers ; Gérard Hourbette, samplers ; Daniel Koskowitz aux percussions, pads, guitare ; Michael Nick au violon ; Nadia Ratsimandresy aux claviers ; Jean-Pierre Soarez à la trompette ; Thierry Zaboitzeff à la basse, violoncelle, voix. Sylvie Debare comme directrice technique et lumières ; Pierre Sampagnay - son ; Florent Meunier - backline...

Comment se déroulent les répétitions ? Comment changez-vous le matériel ancien pour le jouer maintenant ?

Nous avons d'abord travaillé sur l'édition de nouvelles partitions et la programmation des samplers et maintenant nous répétons en petits groupes. En août 2015, nous nous sommes enfin réunis pendant 10 jours. Nous avons décidé de respecter le son et les arrangements de chaque époque.
Merci beaucoup pour les réponses !

La deuxième partie d'inédit est une conversation en tête-à-tête avec Thierry Zaboitzeff et Gérard Hourbette, tenue le lendemain du spectacle au RIO-festival (Cap'Decouverte, Albi, France) en septembre 2015. Un endroit magnifique, une journée ensoleillée, et ces grands musiciens en face de nous. Une autre participante à l'interview était une actrice, chorégraphe et productrice (et épouse de Thierry) Editta Braun, qui a gentiment assuré la traduction du français en anglais et viсe versa.
Nous sommes heureux de vous voir enfin ici ! Merci beaucoup d'avoir accepté de nous accorder cette interview. Commençons par la performance d'hier, car elle était tellement étonnante.

A quel point cela a-t-il été difficile de tout préparer, de répéter, de mémoriser toutes les parties ?
Thierry : Nous avions ce projet en tête depuis quelques années. Nous faisions le ménage dans le studio et nous avons trouvé beaucoup de matériel. Il était sur bande magnétique et nous l'avons copié sur une technique contemporaine. Nous avons remarqué qu'il y avait un grand désordre. Nous avons également trouvé des notes et en avons fait des photocopies. Donc en fait, tout a commencé par le nettoyage du studio. Au début, nous pensions que ce serait rapide, mais lorsque nous avons commencé à répéter avec les musiciens, nous avons réalisé qu'il y aurait un énorme travail. Et c'était difficile de choisir ce qu'il fallait jouer parmi cette énorme quantité de morceaux. Nous avons choisi ensemble. Sinon, la représentation aurait duré 44 heures et demie (rires).
Lors de la conférence de presse avec Aymeric Leroy, journaliste musical et écrivain français.

Quels ont été les critères de choix ?
Thierry : C'était difficile parce que nous avons tellement de pièces importantes, et en remontant dans l'histoire, nous avons constaté que nous sommes liés émotionnellement au passé.
connectés émotionnellement avec le passé. Et nous avons décidé comme des adultes. (Rires). Comme Art Zoyd a connu une grande évolution, nous avons décidé de choisir quelques pièces de chaque période. Nous avons reconstruit les pièces et fait un medley avec certaines d'entre elles.
Gérard : Bien sûr, quand nous avons fait ce medley, nous avons dû les raccourcir et choisir à nouveau.
Comment était-ce de travailler ensemble après toutes ces années ? Gerard : C'est comme si c'était hier. Tout était de retour.
Thierry : C'était facile de communiquer. Et les autres musiciens sont venus avec leurs idées. Tout le monde est venu avec ce qu'il sait et ce qu'il ne sait pas. Et nous n'avons pas tant changé que les musiciens.

Était-il difficile d'interpréter les titres des tout premiers albums ?
Gérard : Comme je suis violoniste, je n'avais pas réalisé qu'il serait vraiment difficile de reproduire certaines de mes parties (au concert du festival de RIO, les parties de violon ont été jouées par Michael Nick, - InRock). C'était une façon très inhabituelle de jouer ! Ce n'était pas facile pour nous. Thierry : Et si j'avais dû expliquer à un autre bassiste comment jouer mes parties, cela aurait été perdu. L'énergie du rock est une chose qui est très difficile à expliquer par des mots ! Au tout début, nous composions ensemble avec les instruments dans nos mains. Nous étions assis dans le studio pendant des heures et nous composions sur place. La musique est donc née non pas dans la tête mais dans les doigts. Gérard : Nous jouions ces morceaux comme si nous parlions. Pas de partitions !
Mais comment avez-vous fait pour les enregistrer sans partitions, tout était dans votre tête ?
Thierry : C'est comme un acteur qui se souvient du texte.
Gérard : La musique sera beaucoup plus intéressante si tous les musiciens en général sont capables de jouer sans partition. Mais il faut beaucoup de temps pour mémoriser.
Thierry : Parce qu'à chaque fois, vous avez un délai entre ce que vous lisez et ce que vous jouez. Et vous n'avez aucune idée de ce qui se passe avec votre corps. Il faut que le corps entier fasse partie de la musique. Je ne voulais donc pas me limiter aux partitions, car cela aurait changé la musique.

Mais votre musique a des structures rythmiques très difficiles, on dirait que vous devez compter tout le temps...
Oui ! (Tout le monde rit).

Comment faites-vous pour ne pas manquer un battement ?
Gérard : La musique, c'est aussi des chiffres. Quand nous avons commencé, il n'y avait pas d'ordinateurs, mais nous les avions dans la tête. La musique, c'est aussi comme l'architecture. Nous construisons donc un bâtiment avec des sons. Et aussi, nous avons des morceaux plus compliqués et d'autres moins compliqués.

Quel est votre compositeur classique préféré ?
Gérard : Personnellement, j'aime Xenakis pour sa violence primitive et sa pensée architecturale. J'ai écouté TV Shooting, beaucoup de disques et lu beaucoup de livres. Je suis très curieux.
Thierry : Pour moi, au tout début, c'était Stravinsky, ses dissonances et ses combinaisons polyrythmiques. On voulait aussi combiner l'énergie du rock et le fond de la musique européenne, qui est loin du blues.
Nous avons encore quelques questions à poser à Gérard sur son parcours musical. Pourquoi avez-vous choisi le violon ? Est-ce vrai que vous avez décidé de jouer de la musique après avoir lu le vocabulaire musical ?
Gérard : (Rires.) J'ai commencé à l'âge de sept ans au conservatoire. Je voulais être un très bon et célèbre violoniste. J'ai déménagé à Paris à l'âge de seize ans pour continuer mes études. Puis je découvre la musique actuelle et j'ai été très déçu [par les classiques]. J'étais un peu perdu quand j'ai quitté le conservatoire. Je jouais dans la rue - le blues, les improvisations... Puis je suis revenu dans le Nord de la France et quelqu'un m'a dit que quelqu'un s'intéressait à moi. C'était Thierry. Nous nous sommes rencontrés et avons décidé de jouer ensemble. Nous avons formé un groupe de trois musiciens en une dizaine de jours. C'était la première fois que je jouais avec l'amplificateur. Voilà ! Et après cela, nous avons fondé Art Zoyd. C'est intéressant de voir que beaucoup de ceux qui terminent le conservatoire ne sont souvent pas capables de jouer rythmiquement et de comprendre le complexe rythmique. Normalement le rythme est quelque chose que tu as dans ta tête et en même temps tu peux le faire sauter à un autre...

Donc l'éducation musicale classique ne vous a pas donné l'opportunité d'apprendre à jouer du rock ?
Gérard : Non. J'ai commencé à l'apprendre après. J'aimais la musique rock : Soft Machine, King Crimson...
Mais est-ce que les bases classiques que vous avez eues au conservatoire vous ont aidé plus tard à créer ces grands albums avec Art Zoyd ? Gérard : Oui, néanmoins. Mais le plus important était d'écouter beaucoup de musique. Et bien sûr le solfege... sol-fa... оkey, comme ça (chantant) do-re-mi-fa-sol vous aide à comprendre la musique, si vous connaissez ça. Il faut des oreilles, mais aussi un cerveau (rires). 

Pouvons-nous vous poser des questions sur le mouvement Rock In Opposition ? Comment y avez-vous été impliqué, comment avez-vous décidé de le rejoindre ?
Thierry : Le mouvement Rock In Opposition existe depuis 1978 avec Henry Cow et Univers Zero, Samla Mammas Manna de Suède et Stormy Six d'Italie. Personnellement, je jouais de la basse avec Daniel Denis d'Univers Zero. Un jour j'ai rencontré Chris Cutler, et quelques mois plus tard nous avons discuté de l'intégration d'Art Zoyd dans le mouvement. Nous avons joué dans différents festivals à Milan, en Suisse... Et la base était de trouver une manière différente de présenter notre musique. Le plus important était d'échanger des idées avec d'autres, et aussi de communiquer avec le public qui est loin du courant dominant. En fait, Rock In Opposition était un mouvement qui s'opposait au courant dominant, aux labels qui ne voulaient pas donner de liberté artistique aux musiciens. RIO a créé son propre mode de communication à travers les festivals, notre propre label, etc. Ce n'était pas un mouvement esthétique, c'était un mouvement politique. Politique dans le sens de l'art. C'était contre le show-biz, contre la musique commerciale.
Gérard : Nous avons commencé à faire des tournées pour nous entraider en organisant des concerts. Cela a eu beaucoup de succès en Europe de l'Est qui était normalement fermée par le rideau de fer.

Affiche originale de RIO Parlant de politique, avez-vous partagé les manifestes politiques de RIO ?
Gérard : Pour moi, la politique est dans la musique. La protestation esthétique pourrait être plus forte que la politique.
Thierry : Nous n'avons pas de textes, pas de paroles, et nous n'en voulons pas (rires).
Gérard : Et peut-être que la violence est dans la musique. Parfois les titres donnent
une direction politique et des associations pour les gens. Parfois des sons. Par exemple, le premier morceau de
"Symphonie pour le jour où brûleront les cités" (1976) commence avec des sons de gens qui grognent et se battent (on peut entendre les grognements sauvages et les gémissements au début de la composition, - InRock). Thierry : Parfois les gars du public pleuraient - agrhhh ! (Rires.) Pour nous ce n'était pas nécessaire de parler de politique. Nous le faisons simplement avec la musique. Art Zoyd sur scène était nos actes politiques - comme des commandos contre le système.

Donc vous vous battiez avec l'aide de la musique. Thierry : Oui !

L'un des albums les plus sombres d'Art Zoyd est peut-être "Generasion sans futur". Que vouliez-vous dire par ce titre ? Est-ce qu'il parle de votre génération ?
Thierry : C'était un album sur la pression dans les grandes villes, sur la non-communication. Et aujourd'hui, c'est la même situation. C'est même pire en ce moment. L'absence de réelle communication...
Gérard : Nous pourrions donner le même titre à nos albums actuels. Rien n'a changé depuis les premiers jours. Nous avons les mêmes problèmes aujourd'hui.

Vous avez enregistré tant de disques pour des films, pour des œuvres théâtrales. Et le dernier album d'Art Zoyd "Eyecatcher" (2011) est dédié au réalisateur russe Dziga Vertov. Comment avez-vous trouvé ses œuvres ?
Gérard : J'ai découvert ses films il y a quelques années. Le premier était un documentaire "A Man with a Movie Camera", tourné avant ses très célèbres films de science-fiction. Je peux dire que c'était un exercice pour un nouveau style. Le film montre que la vie est comme un montage, des coupes, mais en voyant à travers vos yeux. Même si la caméra vient de l'autre côté, le public se voit à travers elle. Je voulais inventer des histoires musicales en parallèle du film. Et j'ai donné du silence là où il y avait du son et du son là où il y avait du silence.

Le groupe était à Moscou en 1989, quel souvenir gardez-vous de cette visite ?
Gérard : Je n'étais pas là, parce que j'étais malade. Thierry et d'autres musiciens étaient là.
Thierry : C'était une longue tournée à Moscou, Bucarest...
Editta : Et il fallait boire beaucoup de vodka ! (Rires.) Thierry : Oui, on a joué "Nosferatu" à Stockholm, puis on a pris le bateau pour Tallinn, et ensuite Moscou, Bucarest et Budapest.

Qui vous a invités ?
(Discussion.) Thierry : Aucune idée. Nous ne nous en souvenons pas. (Rires) Notre manager a contacté à l'époque une organisation en Russie mais je ne me souviens pas de ce que c'était.
Editta : Reagan ?

Quoi ?
Editta : Il y avait des rumeurs selon lesquelles Ronald Reagan avait certainement organisé cette tournée pour mettre l'Union Soviétique en danger ! (Tout le monde rit.)

Mais quel souvenir gardez-vous de cette tournée à Moscou ?
Thierry : C'était très triste [à voir]. Je veux dire que les gens dans les rues faisaient la queue. Ils faisaient la queue devant chaque magasin pour avoir une glace, etc. Je me souviens que c'était complètement décadent de voir ces gens dans les files d'attente. Et nous sommes venus avec les promoteurs dans un restaurant très luxueux et nous avons tout eu, et dans les rues il n'y avait rien. C'est différent maintenant, je sais.
Depuis cette époque, Moscou a beaucoup changé... Thierry : Oui. Mais les gens autour du concert étaient super. 

Était-ce seulement votre concert ou une partie d'un festival, d'un événement culturel ?
Thierry : Non, juste un concert. C'était un festival à Bucarest, huit mille billets ont été vendus, mais nous n'avons pas réussi à aller à Kiev à temps parce que les routes étaient très mauvaises. Et c'était assez dangereux dans les rues à cette époque. En Russie, nous avons été attaqués sur l'autoroute avec des bâtons en fer. Nous avons acheté du diesel pour notre bus à la station service et soudain quelqu'un est venu... agrhhh !
C'est vraiment horrible ! Thierry : C'était fou ! Et il y avait beaucoup d'embouteillages. Et pour passer aux check points, il fallait donner de l'argent pour qu'on puisse passer plus vite.
Ouah !
Thierry : Sinon, nous serions arrivés beaucoup plus tard.

Thierry, pouvez-vous nous donner plus de détails sur votre grand-père russe ?
Thierry : Je ne connais pas toute l'histoire de mon grand-père russe. Quand il est venu en France, il ne voulait pas parler de son passé. Il ne parlait pas russe avec nous, donc je n'ai pas appris le russe. Je sais juste qu'il venait d'Arkhangelsk, peut-être était-il quelqu'un pour couper des arbres dans les bois. La première guerre mondiale a commencé, il a été appelé sous les drapeaux et capturé, puis il est arrivé en Belgique comme prisonnier de guerre. Puis il a réussi à s'enfuir et là, en Belgique, il a rencontré sa future femme. Elle venait de Belgique, et ils sont venus vivre en France.
C'est une histoire très intéressante ! Thierry : Mais je n'en sais pas plus.

Pouvons-nous poser quelques questions sur l'avenir du groupe ? Est-ce que la performance d'hier a été enregistrée et va-t-elle sortir d'une manière ou d'une autre ?
Gérard : Oui, nous avons un enregistrement audio. Peut-être pas tout, mais des extraits seront publiés. Mais nous ne savons pas encore. Nous devons écouter, si cela en vaut la peine...

Vous avez aussi beaucoup de matériel inédit d'Art Zoyd que vous avez trouvé dans votre studio, sera-t-il publié un jour ?
Gérard : Oui, nous prévoyons de publier 11 CD ou même plus, il y a des versions live et studio. Nous
Nous avons des versions live très anciennes de certains morceaux, elles sont parfois très drôles.

Et qu'en est-il de la nouvelle musique d'Art Zoyd ?
Gérard : Tout le monde a ses propres projets. J'ai beaucoup de nouveaux projets en tête que je veux réaliser. Et Thierry aussi.

Allez-vous continuer à travailler ensemble ?
Gérard : Nous avons fait tellement de choses ensemble avec ce projet de réunion d'Art Zoyd. Peut-être que nous aimerions composer quelque chose ensemble pour le mettre dans ce concert. Mais nous ne voulons pas dire "oui, nous allons le faire" - ou pas. Si ça arrive - ça arrive.

Gerard, sur les derniers albums et sur le concert, vous jouez principalement des synthétiseurs, et non du violon, pourquoi ?
Gérard : Oh, j'ai des problèmes avec mes mains. Depuis 1988 j'ai des problèmes de santé (arthrite, - ndlr), donc je dois arrêter de jouer du violon.

Désolé d'entendre ça... A propos, vous avez mentionné que faire de la musique pour vous, c'est comme de l'architecture. A quel style architectural pouvez-vous comparer votre musique ? Editta : Bauhaus ?
Gerard : (rires) Des ponts !

Quoi ?
Gerard : Les ponts. Je ne le comparerais pas à un certain style [d'architecture] mais aux ponts en tant qu'objets, qui unissent les deux côtés de la rivière. Il donne des perspectives, il donne une direction.

Génial ! Quelques petites questions à Thierry. Hier, tu n'as pas seulement joué de la basse et du violoncelle, très groovy et puissant, mais tu as aussi chanté dans "Baboon's Blood". Ta voix a l'air très puissante. Est-ce que tu utilises des effets sonores ?
Thierry (avec des sons rauques et des grognements) : C'EST MA VOIX !!!!
(Tout le monde rit.)
Thierry : C'est seulement un petit peu de chœur. Rien de plus. Pendant toutes les années où j'ai cherché ma voix, j'ai cherché l'expression, les styles, les harmoniques, les paroles, la théâtralité et ainsi de suite. 

Et vous avez un très beau violoncelle électrique. S'il vous plaît, dites-nous quelques mots sur cet instrument.
Thierry : Visuellement, ce n'est pas très beau. Ce n'est pas comme un vrai violoncelle, c'est un bâton. Les vibrations sont captées par un micro piezo sur le chevalet. Depuis les années 80, j'ai ma propre façon d'amplifier. En travaillant avec le violoncelle pendant longtemps, j'ai développé mon propre son de violoncelle. Je veux que mon violoncelle sonne comme un instrument classique, mais si j'ai besoin de quelque chose de différent, j'utilise une pédale d'effets pour la distorsion, etc. distorsion et ainsi de suite.
Gérard : Thierry ne veut pas que le violoncelle sonne comme une guitare électrique, plutôt comme un violoncelle. Il recherche ces harmoniques spécifiques que l'on ne peut entendre que lorsque l'on est très proche de l'instrument. Ces harmoniques peuvent être très fines avec les sons s'ils sont amplifiés.

Le fait d'avoir trois batteurs sur scène est plus une chose musicale ou visuelle ?
Gérard : Tout d'abord, musical. C'est le lineup normal d'Art Zoyd aujourd'hui. Il produit beaucoup d'énergie. Nous pourrions avoir une plus grande distribution mais c'est très difficile économiquement. C'est pourquoi nous utilisons deux claviers et un piano qui ont des sons différents. Nous ne pourrons pas jouer comme neuf musiciens à la fois, c'est "C'est ma voix !".

D'ailleurs, vous avez utilisé le crowdfunding pour organiser ce concert, cela a-t-il été un succès ?
Gérard : Bien sûr, les temps sont durs en ce moment. Donc, en considérant ce projet, le groupe a décidé de ne pas compter uniquement sur l'argent public, mais aussi de demander à sa communauté de fans de contribuer au projet. Cela a été un merveilleux succès en termes financiers, mais aussi parce qu'il y a maintenant un fort sentiment de communauté - entre Art Zoyd et toutes les personnes qui ont contribué à ce projet.

Je vous remercie donc pour cette excellente conversation. Nous sommes très heureux d'assister à cette performance grandiose que vous avez réalisée hier. Et nous espérons que cela continuera !
Merci !
... et la suite, comme il a déjà été mentionné, aura lieu le 7 décembre 2016, Le phénix scène nationale, Valenciennes, France. Soyez-y si vous le pouvez !
Merci à Editta Braun et Ekaterina Vinogradova pour l'aide à la traduction.
Елена Савицĸая Traduit avec (version gratuite)


About Professional Stranger & the EP Pagan Dances
Interview by Thomas Hilton - 2022

THIERRY ZABOITZEFF est un artiste qui a passé sa vie à s'aventurer dans de nombreux espaces sonores différents. Il est avant tout un compositeur et un multi-instrumentiste dont le travail englobe un éventail éclectique et diversifié de genres et de styles. Son œuvre la plus connue est sans doute sa participation à Art Zoyd, le groupe français de rock progressif, dont il a été le codirecteur artistique de 1975 à 1997. Plus récemment, Zaboitzeff a prouvé qu'on ne pouvait pas l'arrêter avec un flux constant et fréquent de sorties solo fantastiques. Son EP techno rock rencontre l'électro acoustique, Pagan Dances (septembre 2021) ; son disque expérimental et aventureux de sept titres, Professional Stranger (novembre 2020) ; et son projet parallèle Aria Primitiva, " un carrefour imaginaire où se rencontrent des routes personnelles denses et stimulantes ". C'est un esprit créatif et artistique qui est encore dans la force de l'âge. Thierry Zaboitzeff a pris un peu de temps sur son emploi du temps chargé pour discuter de son parcours musical avec Aldora Britain Records.

Aldora Britain Records : Bonjour Thierry, comment allez-vous ? C'est un réel plaisir de discuter aujourd'hui avec un musicien aussi talentueux et éclectique. Merci pour votre temps. Je me demandais si nous pouvions commencer par remonter les horloges. Quels sont vos premiers souvenirs musicaux et qu'est-ce qui vous a poussé à poursuivre cette passion ?
Thierry Zaboitzeff : Dès la fin des années 60, comme beaucoup de jeunes de l'époque, j'ai été attiré par la fantaisie et l'énergie contenues et développées dans la musique dite "rock", mais aussi par le mouvement de liberté qui s'en dégageait en général. A l'âge de quatorze ans, je n'avais pas d'éducation musicale particulière. Dans la famille, seul mon grand-père maternel était musicien, organiste d'église et musicien de bal. J'ai alors décidé d'apprendre, de découvrir cette musique " rock " par moi-même, en apprenant la guitare, la basse et en jouant avec quelques amis. Nous avons formé quelques groupes de collège ou de quartier. Cela peut vous paraître étrange mais je n'étais pas du tout sensible au rock 'mainstream', mais plutôt par toutes les expérimentations et aventures sonores qui ont été initiées un peu plus tard par des artistes comme Frank Zappa And The Mothers Of Invention et Pink Floyd, surtout à leurs débuts. J'ai ensuite très vite commencé à suivre Soft Machine, Robert Fripp et King Crimson, Magma, et puis de curiosité en curiosité, je me suis intéressé à des compositeurs classiques comme Prokofiev, Bartok, Stravinsky, puis à certains artistes contemporains comme Kagel et Ligeti. Le jazz aussi, notamment celui de John Coltrane, Miles Davis et Charles Mingus. Des univers si riches et différents qui m'ont nourri pendant de nombreuses années.
"Dès la fin des années soixante, comme beaucoup de jeunes de l'époque, j'ai été attiré par la fantaisie et l'énergie contenues et développées dans la musique dite "rock", mais aussi par le mouvement de liberté qui s'en dégageait en général."

Aldora Britain Records : Pendant plus de deux décennies, vous avez été membre du groupe progressif français Art Zoyd. Comment cela s'est-il produit et comment avez-vous rencontré les autres membres ? Quel regard portez-vous sur cette période maintenant et comment diriez-vous que vous avez évolué en tant que musicien depuis ?
Thierry Zaboitzeff : Oui, je n'étais pas seulement membre du groupe Art Zoyd, mais aussi co-fondateur et co-directeur de cet ensemble inhabituel de 1971 à 1997. Ce groupe existait déjà depuis 1969. Il a été créé par Rocco Fernandez, et à son invitation, Gérard Hourbette et moi-même avons rejoint le groupe en 1971. J'avais rencontré Gérard - violoniste et compositeur - un an auparavant et nous avions déjà formé un duo, puis un trio et nous étions proches artistiquement. Lorsque Rocco Fernandez a quitté le groupe en 1975, nous avons pris en main la destinée d'Art Zoyd et de ses projets, changeant radicalement notre approche de la composition. Ce fut un moment très important et fondateur dans ma vie de musicien et de compositeur. Nous avons monté des projets ambitieux que nous avons fait tourner dans le monde entier avec des musiciens talentueux, parfois différents selon les projets.

Aldora Britain Records : De nos jours, vous abordez souvent votre musique à travers les mondes de la danse, du théâtre, des événements multimédia et des films. Je peux imaginer que c'est une façon légèrement différente d'aborder la musique. Comment fonctionne votre processus créatif ? Comment parvenez-vous à des compositions aussi élaborées et intenses ?
Thierry Zaboitzeff : Après tant d'années, j'ai finalement quitté Art Zoyd. Nous étions allés, à mon avis, au maximum de ce que nous pouvions faire ensemble, et au fil du temps, trop d'habitudes et de systématismes se sont installés.

30 se sont installés. J'aurais volontiers brisé cette situation sans quitter le groupe, mais ce n'était pas possible. J'avais soif de nouvelles expériences. Notamment en composant de la musique pour la danse, le théâtre, etc. J'ai toujours voulu éviter de composer uniquement pour un ensemble fixe, surtout avec la même instrumentation. C'était donc l'occasion parfaite pour moi de réunir, par exemple, un quatuor à cordes, des chants pygmées et de l'électronique ambiante dans une même composition, et de pouvoir sculpter et inventer des mondes irréels à plusieurs couches. Malgré toute la technologie que j'utilise aujourd'hui, mon processus de travail est resté simple, basique. Je fixe généralement quelques idées de manière très simple avec ce que j'ai sous la main. Une guitare, un violoncelle, une basse ou un clavier. Je les laisse mûrir un peu dans mon esprit et je retouche petit à petit avec le même procédé. Ensuite, je rentre en studio et là ça peut durer car je suis assez capricieux sur ce que je cherche sans avoir tout à fait les clés. En plus de tout cela, il y a les contraintes que l'on a parfois quand on reçoit une commande. Mais c'est fantastique et, pour l'instant, j'adore ça ! 

Aldora Britain Records : Je ne crois pas que vous puissiez vous enfermer dans un genre ou un style. C'est la meilleure façon d'être après tout ! C'est un voyage de création et d'évolution. Pour les nouveaux fans ou auditeurs, comment le décririez-vous ? Qu'est-ce qui entre dans votre son et quelles sont vos plus grandes influences en tant qu'artiste ?
Thierry Zaboitzeff : Je me donne souvent l'étiquette "art rock électro symphonique". Je trouve que cela correspond bien pour l'instant à mon approche dans le sens où je développe des atmosphères acoustiques principalement électroniques mélangées parfois à une écriture de type symphonique très serrée, mais dans une dynamique et une énergie sonore communes au 'rock'. Mais pour être clair, je suis plus dans une démarche artistique que dans une démarche de faire danser les gens, cela dit sans aucune ironie ou mépris. Le son que j'essaie de construire doit être différent pour moi dans chaque projet. Bien que je veuille qu'il soit reconnaissable, et c'est toujours une grande difficulté d'y parvenir, je laisse au public et aux critiques le soin d'en juger. Il est toujours très difficile pour un artiste de dire qu'il est influencé par telle ou telle personne. Je vais donc me permettre une petite diversion en citant, sans ordre particulier, quelques musiciens et compositeurs que j'écoute beaucoup et que j'estime beaucoup... Robert Wyatt, Bela Bartok, Jimi Hendrix, W.A. Mozart, Miles Davis, Igor Stravinsky, Robert Fripp et King Crimson, S. Prokofiev, John Coltrane, Jon Hassel, Claude Debussy, Martin Gore, Luciano Berio, Gustav Mahler, Mauricio Kagel, Steve Reich...

"J'avais soif de nouvelles expériences. Notamment en composant de la musique pour la danse et le théâtre... J'ai toujours voulu éviter de composer uniquement pour un ensemble fixe, surtout avec la même instrumentation."

Danses païennes

Aldora Britain Records : J'ai récemment découvert votre album Pagan Dances sur Bandcamp. Wow ! J'adore ce que vous avez réuni sur ce disque. Quels sont vos souvenirs de l'écriture, de l'enregistrement et de la sortie de cet ensemble particulier ?
Thierry Zaboitzeff : Pagan Dances est une parenthèse parmi toutes les créations que j'ai faites pour des spectacles où j'étais toujours au service du metteur en scène. Ici, il n'y avait pas de demandes extérieures, j'étais livré à moi-même, face à mes émotions en toute intimité. Et je dois avouer que tous ces moments d'enfermement liés au COVID ont certainement influencé l'atmosphère de cette pièce. Je me suis dit que pour cette composition, je devais trouver une couleur sombre et unique, mais pas négative ou repoussante. Lorsque j'ai commencé à travailler dessus, après quelques minutes, j'ai immédiatement réalisé que j'allais revenir à l'instrumentation qui m'était très familière lorsque je travaillais avec Art Zoyd. Pianos, percussions, basse, violoncelle et un sampler pour les sons ambiants, électroniques et électroacoustiques.

Aldora Britain Records : Si nous remontons plus loin en 2020, vous avez sorti une œuvre intitulée Professional Stranger. Ce fut l'une de mes premières expériences d'écoute de Zaboitzeff. Comment réfléchissez-vous à celle-ci maintenant, quelques années plus tard ?
Thierry Zaboitzeff : Parenthèse également mais cette fois parmi toutes mes productions musicales. En effet, à cette occasion, j'ai souhaité rompre avec les styles musicaux dans lesquels on me classait généralement, tels que le rock, le rock expérimental, l'avant rock, l'ex-Art Zoyd, la musique contemporaine, etcetera. Avec cet album, j'allais révéler une facette de calme, de douceur, et me poser dans les dédales du temps, du temps qui passe, dans des rythmes plus minimaux, des paysages apaisés inspirés de la création chorégraphique Long Life de la Compagnie Editta Braun, sur laquelle je composais cette musique. D'ailleurs, j'ai décidé qu'on retrouverait ce son d'accordéon très typique partout dans l'album. Avec lequel, je fais même une reprise de 'Enjoy The Silence' de Martin Gore et Depeche Mode. C'était l'occasion de casser les codes, mes codes. Car jusqu'à présent, j'ai toujours détesté être dans un tiroir trop bien rangé.
" J'étais livrée à moi-même, face à mes émotions en toute intimité. Et je dois avouer que tous ces moments d'enfermement liés au COVID ont certainement influencé l'atmosphère de cette pièce. Je me suis dit que pour cette composition, je devais trouver une couleur sombre et unique, mais pas négative ou repoussante."

Interview réalisée par Thomas Hilton pour Aldora Britain Records - zine - avril 2022


Interview de Thierry Zaboitzeff pour le magazine Rythmes Croisés (F)
par Philippe Perrichon en Septembre 2022
pour la sortie du coffret rétrospective : 50 ans de musique(s)

Merci Thierry d’avoir accepté le principe de cette interview car, si j’ai bien compris, votre timing est assez serré…

Thierry ZABOITZEFF : Oui et je vous prie de m’en excuser. En effet sitôt ce projet de coffret terminé et livré, je suis à nouveau en studio pour la composition et l’enregistrement d’une BO sur un film de 19’ LUVOS Migrations un projet piloté par Editta BRAUN COMPANY. « Vision d’avenir ou images d’un univers parallèle ? Dans des décors naturels à couper le souffle, des paysages industriels automatisés et des ruines désertes, se déploie un voyage à travers le temps et les espaces de vie. Les étranges créatures LUVOS du théâtre d’illusion corporelle d’Editta BRAUN s’emparent de la musique de Thierry ZABOITZEFF. »

C’’est un nouveau défi pour moi et je remercie Editta BRAUN pour sa confiance chaque fois renouvelée.

Un Teaser de cette bande originale est accessible ici :

Cette récapitulation a un effet saisissant : elle fait réaliser à quel point votre travail s’est étalé dans le temps et suscite l’envie de se replonger dans votre discographie et votre production considérable. Comment est né ce projet de triple-album ?
TZ : Bon ! vous n’êtes pas sans ignorer que j’aurai bientôt 70 ans et lorsqu’on a la chance d’arriver à cet âge sans trop de problèmes, on ne peut s’empêcher de se retourner, non sans une petite pointe de fierté et de faire une sorte de point, de bilan et je me suis dit qu’il serait intéressant de regrouper dans un coffret au format relativement serré afin d’éviter toute redite ou redondance, une anthologie, je préfère ce mot à celui de compilation que je trouve fade et vilain…

Dans tous les cas, il n’était absolument pas question de ressortir mes 30 albums dans un coffret au risque d’une catastrophe économique et d’une indigestion carabinée.

J’ai donc commencé à travailler sommairement sur 3 à 4 playlists, histoire de me rendre compte de la tâche sur un niveau artistique. Ensuite convaincu de la faisabilité, je décidai de faire le tour de mes contacts afin de savoir qui pourrait co-produire un tel album. Par politesse, comme il se doit dans le métier, je contactai en premier lieu le label et l’éditeur qui me soutient depuis 2005 (WTPL-Music et Monstre Sonore) qui fût immédiatement partant aux conditions que je fixais. C’était en décembre 2021 et avions d’ores et déjà prévu une sortie pour juin 2022 mais que finalement nous repoussions à septembre 2022.

Ce fût un travail compliqué et difficile dont je suis satisfait à l’arrivée et je crois que le secret a été d’oublier toute chronologie et il a fallu ensuite masteriser et unifier tous ces enregistrements d’époques différentes.

Plusieurs aspects de cet ensemble sont très impressionnants : tout d’abord vos talents de poly-instrumentiste, puis votre maîtrise des technologies actuelles. Comment s’est effectuée cette expansion de vos compétences ?
TZ : Il y a fort longtemps, j’étais uniquement bassiste mais aussi un peu guitariste, cela convenait parfaitement au cadre rock-prog rock des années 1970, mais très vite Gérard HOURBETTE et moi-même au sein de ART ZOYD, décidions de casser les codes, ce que Rocco FERNANDEZ avait déjà commencé…

Cela se traduisit par des ajouts progressifs de pédales d’effets en tous genres, chambres d’écho pour allonger les sons, leur donner des espaces plus larges, dès notre deuxième album, je me mettais non sans mal au violoncelle pour renforcer ce côté musique de chambre électrifiée… Ainsi de fil en aiguille, nous nous sommes intéressés également aux techniques de studio qui étaient en ces temps-là inaccessibles financièrement. Malgré le travail magnifique accompli pour chaque album en studio, nous avions toujours d’immenses regrets : pas assez de temps pour les prises, le mixage, etc.

Mais voilà qu’au milieu des années 1980 l’informatique musicale débarque et, dès lors, nous nous équiperons de manière à devenir complètement autonomes concernant nos enregistrements. Sans entrer trop dans le détail, ce fût pour moi, pour nous, une révolution : le MIDI/les claviers/puis très vite les Samplers Hardware abordables/les systèmes d’enregistrement digital multipistes. Il a fallu apprendre sur le tas et maîtriser ces nouvelles lutheries, de cette époque jusqu’à aujourd’hui en prenant bien garde de ne pas se laisser manger par le côté uniquement technique. Pour ma part, j’ai toujours veillé à un juste équilibre entre machines et instruments acoustiques mais parfois, cela arrive, la machine dégage quelque chose que vous ne pouvez reproduire avec un instrument acoustique et qui s’inscrit bien dans le contexte de la composition.

J’ai un seul petit regret, mais c’est sans doute le prix à payer de l’exercice d’une anthologie : j’avais beaucoup aimé votre travail autour du Livre Vermeil de Montserrat et c’est peut-être un des volets de votre travail d’arrangeur et de compositeur moins connu. Avez-vous aussi ce regret ?
TZ : Comme vous le dites, c’est le prix à payer. J’ai bien évidemment tenté d’inclure une des pièces de ce projet Le Livre Vermeil de Montserrat mais, au final, je me suis aperçu que je n’avais pas un matériau d’assez bonne facture pour cela. Entre temps j’ai téléphoné à Sandrine ROHRMOSER et nous nous sommes mis d’accord pour enregistrer professionnellement ce projet l’an prochain.

Pouvez-vous nous parler de votre travail de collaboration avec Thierry MOREAU qui nous fait aussi l’honneur de rédiger dans nos colonnes ?
TZ : Je connaissais Thierry MOREAU depuis de nombreuses années (époque ART ZOYD) puis par hasard, je l’ai croisé dans un train entre Douai et Paris en 2004 je crois : nous avons échangé fort sympathiquement, je lui ai par la suite envoyé quelques albums et le temps a passé.

Peu à peu et fort discrètement, il s’est approché, me faisant part de son travail graphique, notamment pour des pochettes d’albums. Il m’a très vite ensuite proposé de travailler sur mes pochettes, ce que j’ai refusé car je n’avais que très rarement les budgets pour cela. Cependant son approche et son travail m’avaient tout de suite séduit si bien qu’en 2017, lorsqu’il fût question d’un album pour ARIA PRIMITIVA, je fis des pieds et des mains pour que son travail de conception graphique soit, de suite, intégré au budget de la prod. Le travail s’est fait dans un grand respect mutuel et ce jusqu’à ce coffret sur lequel il a fait un travail fantastique complètement en dehors de ce que lui ou moi aurions pu imaginer.

Êtes-vous animé par une forme de spiritualité (quand bien même elle serait toute personnelle – en bon autodidacte qui se respecte ! – à mon modeste niveau je suis également autodidacte et je sais que c’est parfois difficile mais que c’est un choix qui rend plus libre) ? Cette question me vient à travers votre recours au latin, qui est un choix culturellement marqué, typiquement européen, et, également, ancré (et encré) dans un contexte chrétien qui a marqué notre continent (et au-delà).
TZ : Cher Philippe, je suis animé par des pensées diaboliques !!! (rires) Non je rigole ! La référence au latin est liée à mon histoire personnelle avec mon grand-père maternel : il était organiste et lorsque j’étais enfant je l’accompagnais à la tribune pour la grand-messe. La puissance des tuyaux d’orgue m’ont marqué… ainsi que le garde suisse qui réglait le déroulement de l’office. Tout ce contexte bien plus tard m’a inspiré pour la Missa Furiosa, cela faisait un moment déjà que je voulais m’attaquer à ces riffs un peu technoïdes en les associant au latin… Le pitch était tout trouvé !

Pouvez-vous nous parler de votre étrange violoncelle ? Cet instrument m’a toujours intrigué…
TZ :Vous parlez de mon Silent Cello de Yamaha customisé ? Durant un certain nombre d’années, j’ai travaillé comme compositeur et musicien « live », très souvent en plein air, été comme hiver… Mon violoncelle acoustique en a tellement souffert, il ne tenait plus l’accord dans les conditions météo extrêmes et a fini par se briser… J’ai donc trouvé ce stick quasiment insensible aux intempéries grâce à ses mécaniques de basse, mais je l’ai rééquipé de micros piezzo d’excellente qualité, car le système Yamaha de base n’était pas très convaincant. Ce système me permit ensuite de jouer par tous les temps et sans problème de feedback en me donnant la possibilité d’alterner entre un son classique ou électro à l’aide de pédales d’effets que connaissent fort bien les guitaristes.

Quel a été votre parcours initial ? Je vous imagine bien en autodidacte intégral…
TZ : Je suis l’autodidacte intégral ! Tout un temps, dans mes débuts, j’avais un problème avec cette idée, j’ai toujours été entouré de musiciens très professionnels et formés. Beaucoup d’entre eux avec qui j’ai travaillé ont été très respectueux de cela et très à l’écoute de mes idées.

Puis le temps passant, je me suis affranchi : les expériences, mes apprentissages non conventionnels sur les différents instruments que j’utilise puis, ensuite, également, ma formation en autodidacte sur l’informatique, les techniques d’enregistrement, constituent un tout et un patrimoine dont je suis très fier car ainsi, j’ai pu suivre mes chemins de traverses avec toute la fantaisie que je souhaitais !

Quels sont vos projets pour les mois et les années à venir ?
TZ : Comme je le disais précédemment, l’enregistrement de mon adaptation du Livre Vermeil de Montserrat avec Sandrine ROHRMOSER, en vue d’un album… Ensuite un peu de repos !!!!!

Puis un peu plus tard quelques surprises, je l’espère.

Merci de cet entretien et encore bravo pour ce bel album !

TZ : Merci à vous, pour toute votre attention.

Article et Entretien réalisés par Philippe Perrichon – Photos : Bettina Frenzel (scènes) – Zablab2022 (portraits)

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Profitant de la sortie du triple CD «50 ans de musique(s)»,
Thierry Zaboitzeff a accepté de répondre aux quelques questions que nous nous posions à propos de sa carrière.
Interview réalisée par Tibère - 04/12/2022.

Prog censor – Comment te sens-tu après 50 ans à créer des musiques innovantes ?
Thierry Zaboitzeff – Pas mal, merci! Parfois un peu à l’ouest, dans le doute, mais il y a toujours ce petit quelque chose qui me fait repartir, un accord, une idée improbable, un son, le son, une simple vision qui glisse sur d’autres et m’entraînent dans les dédales magiques de la composition, mais je suis comme le petit poucet, je sème des trucs pour retrouver mon chemin…
En fait je me sens très heureux d’avoir pu mener à bien ce projet de rétrospective.

Pc – Peux-tu revenir pour nous sur les débuts de l’histoire. Ce ne fut guère facile. On le voit en parcourant ton site ( où tu relates épisode après épisode (il y en a actuellement huit), 50 ans d’amour (et de galère) musical(e).
TZ – Oui, je vous conseille de les lire, histoire de bien vous rendre compte de ce que cela signifiait d'être musicien et compositeur indépendant en ces temps-là.
Le début de toute cette histoire, c’est la rencontre avec Gérard Hourbette puis Rocco Fernandez qui nous invite dans son groupe Art Zoyd. Rocco nous quitte en 1975 et nous laisse les clefs de la maison et, à partir de là, nous expérimenterons différentes formations d’Art Zoyd avec un tas de musiciens qui viendront, partiront, reviendront… Toutes ces rencontres et expériences déboucheront sur des moments importants: en 1976, notre premier album puis une tournée en France en première partie de Magma; nous serons également avec eux au Théâtre de la Renaissance (Paris) une dizaine de jours. Puis, pour ne citer que les temps les plus forts, nous ferons une tournée européenne en 1984 suivie de la création avec les ballets de Roland Petit «Le Mariage du Ciel et de l’Enfer» (Milan - Palais des sports / Paris-Théâtre des Champs Elysées / Marseille-Opéra / Bordeaux-Opéra); pour faire court également viendront les ciné-concerts «Nosferatu - Faust et Häxan»… Ceci nous mène en 1997, l’année où je quitte Art Zoyd (profondes divergences sur de nouvelles orientations, lassitude…).
Mais je souhaiterais vous préciser que ce coffret ne consacre que quelques épisodes à Art Zoyd et que je tiens absolument à défendre et mettre en avant ce que j’ai produit dans les 25 années suivant mon départ de AZ.

Pc – Quel ordre as-tu choisi pour nous présenter l’ensemble de ta carrière?
TZ – L’ordre fut un gros casse-tête. Je ne suis jamais parvenu à monter une playlist chronologique qui se tienne ou alors, si j’y arrivais parfois, cela ne convenait jamais sur la durée. Je prenais donc la décision de m’asseoir sur la chronologie et je me dirigeais plutôt sur l’idée de voyage dans mes musiques, avec mes musiques; cette idée est nettement plus intéressante car elle permet plus d’espace, de finesse, de poésie… De plus, aimant jouer sur les contrastes, j’allais me régaler…

Pc – As-tu remixé certains titres?
TZ – J’ai remixé deux titres sur les 43 proposés: «Unsex Me Here», à l’origine sur l’album «Art Zoyd-Berlin», mais que je reprends et remixe en solo et en live en 2009. Puis «Konzobélé» extrait de l’album «Marathonnerre». Pour d’autres pièces, j’ai refait un mastering de manière à unifier autant que possible la couleur de ces compositions fort distantes parfois dans le temps. J’ai également réenregistré «Baboon’s blood» (de l’album AZ-Berlin) en invitant Daniel Denis (Univers Zero) à y jouer les percussions, ce qui rend la pièce plus vivante et plus sauvage, puis en hommage à Rocco Fernandez, le fondateur de Art Zoyd, j’ai repris dans une version toute personnelle le titre «Sangria» que le groupe d’alors avait enregistré sur un 45 tours chez Opaline Records-Chants Du Monde en 1971.

Pc – Comment étaient réalisées la plupart des compositions, que ce soit avec Art Zoyd ou les autres émanations musicales que tu as croisées?
TZ – Vaste sujet! Tout dépend des époques… Autodidacte depuis fort longtemps, je n’écris pas la musique (sur du papier), j’utilise donc des enregistrements audio ou MIDI faits maison car je joue de plusieurs instruments et, avec le temps, je suis devenu aussi un manipulateur d’électronique (séquenceurs, samplers, effets, computers…) pour communiquer ce que je souhaite, d’une manière relativement précise, lorsque j’interviens avec d’autres musiciens et lorsque je ne fais pas appel à eux, je compose et enregistre directement dans mon studio… Mais le point de départ de mes compositions est rarement très sophistiqué, j’utilise à la base un seul instrument (guitare ou clavier ou basse) sur lequel j’échafaude quelques bribes de ce que deviendra un morceau, en chantonnant même, et je me laisse totalement aller à la fantaisie que je recadre et orchestre ensuite dans le studio.
Le processus est un peu différent lorsque je travaille sur des commandes car, dans ce cas, beaucoup de paramètres viennent interférer, comme la durée, les demandes particulières d’un régisseur ou metteur en scène, le type d’instrumentation souhaité…

Pc – Art Zoyd a eu des occasions de jouer (et partager des musiciens) avec des groupes comme Magma ou Univers Zero. As-tu des souvenirs marquants à partager de cette période?
TZ – Avec Magma, que nous estimions énormément, à part les concerts à la même affiche, nous n’avons rien partagé. Peu après ces tournées, je rencontrais Daniel Denis puis Univers zero et nous mélangerons même nos deux groupes en une sorte de bigband apocalyptique, lors de concerts de réunion. J’ai en mémoire celui de «Nancy Jazz Pulsations», c’était chaud! Il y avait les pour et les contre qui se manifestèrent avec force… Nous n’avons fait que quelques concerts dans cette formation économiquement non-viable à cette époque et puis aussi chaque groupe avait des envies plus personnelles pour l’avenir.

Pc – As-tu quelques souvenirs et anecdotes particulières à partager?

TZ – Il y en a de nombreux et je ne peux pas prendre toute la place ici avec cela. Je parlerai plutôt de faits marquants.
En Juin 1984, à l’invitation du chorégraphe Roland Petit : La première du «Mariage du ciel et de l’Enfer» avec le corps de ballet de la Scala de Milan et notre groupe Art Zoyd au Palais des Sports de Milan durant une semaine. Grand événement qui pour un temps nous sortit de notre quotidien de groupe jouant dans des clubs et autres salles alternatives. De grandes audiences s’offraient à nous avec les moyens techniques à la hauteur. Une équipe formidable de techniciens et musiciens.
Pour l’historique et les anecdotes, je vous invite à consulter ce lien:

Pc – Peux-tu nous parler des années qui ont suivi Art Zoyd, notamment la période Aria Primitiva?

TZ – Dès que je quitte AZ, je me lance dans un tas de projets: danse contemporaine, théâtre… Toujours comme compositeur bien sûr et de temps à autres en live, en solo ou en groupe: Zaboitzeff & Crew sur les projets Miniaturen avec Edita Braun Company, puis Missa Furiosa créé lors du Bruckner Festival Linz en 2002.
Ma rencontre avec la chrorégraphe autrichienne Editta Braun sera le point fort de ces 25 dernières années; je collabore musicalement depuis 1997 à tous les projets de la compagnie, c’est une expérience très forte émotionnellement, très enrichissante, et cela m’a permis d’ouvrir mon art à d’autres horizons et me libérant ainsi des parcours obligés de la musique contemporaine et des circuits musicaux alternatifs parfois un peu sclérosés et fermés.
Aria Primitiva est né assez tard, en 2017, à la suite des concerts anniversaire «Art Zoyd - 44 ½». À cette occasion, j’avais rencontré Nadia Ratsimandresy et Cécile Thévenot qui faisaient également partie de cette formation célébrant cet anniversaire. L’expérience de groupe me manquait et Nadia et Cécile vinrent me proposer de travailler ensemble; j’hésitai un instant et puis banco! Le problème majeur entre nous était la distance nous séparant: Nadia à Paris, Cécile à Strasbourg et moi en Autriche à Salzbourg… Nous avions peine à trouver des dates pour nous réunir tant qu’aucun concert ne fut planifié. Au niveau composition, j’avançais à pas de géant et, en quelques mois, un répertoire de base était prêt et, fort de cela, je me mis à rechercher des dates. Quatre concerts furent planifiés et garantis financièrement. Nous pouvions nous jeter à l’eau et entamer nos répétitions. C’est ainsi qu’est né et aura vécu Aria Primitiva car, après un album («Sleep No More» et ces quelques concerts, Nadia a repris ses activités avec Art Zoyd dont elle était toujours membre et une distance s’est installée durablement, puis Cécile rêvait de plus d’improvisations, ce qui n’était pas le centre d’intérêt principal d’Aria Primitiva qui finalement était devenu mon bébé. J’avais, j’ai beaucoup d’estime pour ces musiciennes mais un avenir me semblait impossible, je décidai d’en terminer avec cette formation puis la crise du covid nous est tombée dessus… Je suis passé à autre chose.
Je dois ajouter que, tant que cet ensemble a existé, j’ai adoré le processus de travail et la perspective d’un nouveau groupe de scène, un peu dans la direction d’Art Zoyd des années 86-87 qu’inconsciemment j’aurais aimé ressusciter… Il y avait tant à faire et tant d’autres musiciens à inviter.

Pc – Des concerts ont-ils été prévus pour fêter les 50 ans de carrière?
TZ – À cette heure, aucun concert n’est prévu et proche de mes 70 ans. Je n’envisage plus la musique sous le prisme des tournées en bus, rangement de matos à trois heures du mat. Les occasions d’excès en tous genre et endosser toujours la responsabilité pour d’autres musiciens qui ne se bougent que parce que vous seul leur demandez de bouger… Certes, je suis un peu aigri sur ce thème après avoir vécu de désagréables situations.
Disons que je ne suis plus intéressé par cette façon de vivre la musique… J’ai d’autres projets autour de mes sons et vous me donnerez peut-être l’occasion de vous en parler plus tard.

Pc – Merci Thierry pour cette interview. Un dernier mot pour encourager nos lecteurs à (re)découvrir tes univers?
TZ – Merci à vous! Mais pour cette dernière question je citerai Denis Desassis que j’ai invité à préfacer ce coffret et il vous parlera de cette anthologie mieux que personne, et assurément mieux que moi! Et encore merci à lui pour ses mots.
«Voici donc 50 ans de musique(s) illuminés par le foisonnement d’une anthologie suscitant l’admiration, tant la cohérence d’ensemble, depuis les premières heures d’Art Zoyd jusqu’aux dernières chorégraphies païennes, relève ici de l’évidence. Musique, cinéma, danse, théâtre sont assemblés en un grand tout affranchi du temps et des barrières stylistiques pour s’abandonner à un imaginaire peuplé de tourments et d’espoirs, ceux d’un voyage en direction du grand mystère. L’œuvre de Thierry Zaboitzeff est parée des couleurs ténébreuses d’une épopée de l’initiation dévoilant au fil des jours des paysages énigmatiques parfois désolés, dont la contemplation suscitera une curiosité mêlée de fascination.»


ProgJazz se viste de etiqueta: Entrevistamos a Thierry Zaboitzeff
ProgJazz : Entretien avec Thierry Zaboitzeff

par Rodrigo Oyarce - 06/12/2022

Salut Mr. Zaboitzeff. D'abord, merci pour prendre le temps d'avoir cette conversation avec Progjazz

Avant de répondre à vos questions, je voudrais m’adresser à tous les lecteurs de ProgJazz et au public Hispanophone qui me suit depuis tant d’années pour vous communiquer que je suis très touché et ému par votre attention vers mes musiques. Merci à vous !

Antes de responder a sus preguntas, me gustaría dirigirme a todos los lectores de ProgJazz y al público de habla hispana que me sigue desde hace tantos años para decirles que estoy muy emocionado y conmovido por su atención a mi música. Gracias a todos

Qu'est-ce que vous pouvez nour dire sur "50 ans de Musique (s)" et sur le processus de compilation de l'enorme héritage artistique que vous avez fait pendant toutes cettes années ?
J’aurais bientôt 70 ans… A cette occasion, je pense que tout humain, par réflexe et honnêteté se retourne et retrace une sorte de bilan de sa vie, de son travail ; c’est ce que j’ai voulu faire tout simplement en célébrant ces cinquante années d’activités musicale avec la sortie de cette anthologie. J’y ai travaillé plus d’une année à lister, écouter, re-masteriser, remixer, ré-enregistrer certaines pièces puis jeter, recommencer jusqu’à trouver un itinéraire de (Voyage) idéal sur mes chemins de musique(s) selon moi et quelques proches. Dans ce travail, j’ai voulu éviter toute chronologie, ce qui donne une sorte de légèreté pour entrer sans se rendre compte dans différentes époques de ma carrière. Toutes époques confondues, on peut voyager entre mes projets solos, certaines de mes créations avec Art Zoyd - Zaboitzeff & Crew - Aria Primitiva…

Comment est le processus créatif quand vous commencez avec une pièce ou projet artistique ? Quel sont les types d'endroits conceptuels ou de subconscient que vous visitez pour donner vie à votre art ? Ou est-ce que cela est quelque chose de plus tangible ?
A mon sens, il y a différentes façons de démarrer une composition ou un projet, j’ai souvent essayé de ne pas avoir de règles… Mais j’ai constaté justement en me retournant un peu sur mon passé, que j’avais finalement quelques « trucs » pour me forcer à être différent à chaque composition, comme combattre une routine.
Lorsque je compose pour moi même, je me permets absolument tout, comme me raconter une histoire ou pseudo légende pour installer une atmosphère et ces histoires sont vite oubliées dès que mon décor est planté. Le reste n’est que sons, rythmes arrangements, déroulement, développements, fantaisie, liberté…
Une composition peut naître d’une simple suite d’accords de basse, piano ou violoncelle ou d’un son que j’ai en tête mais qui me semble ne pas exister, alors je creuse, je sculpte, j’examine, je me recule, je re-sculpte aussi dans le studio sur mes samplers et éditeurs de sons et cela devient aussi souvent très physique même si le morceau est en apparence parfois cérébral. Dans tous les cas, je cherche une émotion non verbale.
Comme de plus, je suis autodidacte, je ne m’embarrasse jamais de préceptes en ce domaine.
A mon sens, la musique et les sons ont cet avantage de proposer des espaces totalement ouverts contrairement aux mots, aux images concrètes et reste à chacun de se laisser emporter, y compris moi…

Vous avez collaboré avec la choréographiste Editta Braun, avec les réalisateurs Stéphane Vérité et Beda Percht. Qu'est-ce que vous pouvez nous raconter sur les projets que vous avez eu avec eux et si le processus créatif a été différent à vos projets musicaux personnels ?
Je travaille avec Editta Braun depuis 1997, nous avons démarré par un projet live commun « Heartbeat « Théâtralisé, où danse et musique se mêlaient très étroitement, je vous renvoie ici pour les détails
Nous collaborons sans cesse depuis. et nous avons fini par nous marier en 2020, c’est vous dire si notre relation artistique et humaine est profonde.
Sur chaque projet pour sa compagnie de danse, Editta me demande souvent de travailler sur un matériau sonore et conceptuel différent, ce que j’adore faire et expérimenter. Par exemple sur son projet INDIA, j’ai travaillé sur des sons et ambiances qu’elle ma ramené de son voyage en Inde lors des premières sessions de travail sur place, puis elle m’a donné quelques éléments de dramaturgie, le côté nostalgique et « TechnoWorld » se sont invités en cours de travail à mesure de l’élaboration des scènes.
Idem pour le projet « Nebenesonnen », tout devait être écrit autour du piano. Pour Miniaturen, la musique devait être live avec un groupe à la Art Zoyd : Zaboitzeff & Crew. Sur le projet Luvos, cela devait sonner majoritairement électronique et ainsi de suite…

Stéphane Vérité (Metteur en scène) je l’ai connu lorsque j’étais encore dans Art Zoyd. Par lui, nous avions eu la commande d’une bande son pour un spectacle évènementiel : L’inauguration de la la plus grande salle d’Europe « Le Globe Arena » à Stockholm (s) . Le public pouvait voir le spectacle de lumières et de projections diffusées sur le bâtiment en forme de globe d’un peu partout autour de la ville et le public recevait le son diffusé par la radio dans la voiture.
Par la suite, j’ai collaboré avec Stéphane sur le projet de Théâtre « Alice » pour lequel j’étais présent sur scène en live, puis d’autres évènementiels assez importants.

Avec Beda Percht, c’était aussi du théâtre et de l’évènementiel, le dernier parmi les plus importants remonte à 2011 pour un spectacle uniquement pyrotechnique devant 100 000 spectateur à Linz (A) sur les rives du Danube avec la compagnie « Pyrovision » : 2011 – Feuerwelt. Eine Science Fiction - LINZER KLANGWOLKE 2011

En général tous ces projets sont à la base des commandes mais que cela soit avec Editta, Stéphane et Beda, comme nous avions beaucoup plus que de l’estime l’un pour l’autre, une confiance et un respect mutuel contribuaient à de belles collaborations.

Comment est-ce que le développement pour la création de votre premier disque en solo, "Prométhée" en 1984, a-t-il eu lieu ? Qu'est-ce que vous pouvez nous dire sur votre évolution comme artiste propre, et non pas seulement comme musicien de Art Zoyd ?
En 1984 donc, avec Art Zoyd, nous étions sur le point d’enregistrer notre Album « Les Espaces Inquiets » et parallèlement, j’étais contacté par une toute jeune compagnie de théâtre de Valenciennes (F) la ville dans laquelle je vivais à cette époque. Le directeur Philippe Asselin et l’administrateur Thierry Dupont me proposèrent de composer et d’enregistrer la bande son d’une de leur première création « Prométhée enchainé » d’après Eschyle. Au regard de la tâche à accomplir, seul à la base et hors du cadre Art Zoyd, je rassemblais tout ce qui pouvait sortir un son inhabituel en plus de mes instruments de prédilection (Violoncelle, basse, un peu de guitare…) et j’improvisais un studio dans la toute petite maison que j’occupais avec mon épouse d’alors.
Pour ce projet, j’avais complètement décidé d’oublier la façon dont je composais pour et avec Art Zoyd. Je me mettais à expérimenter beaucoup avec les bandes magnétiques et les sons concrets que je reversais et saturais et j’utilisais aussi sans vergogne le re-recording parfois pour doubler des instruments ou pour salir et dégrader le son encore et encore afin obtenir la pâte dont je rêvais. Je prenais un énorme plaisir à m’étaler, m’étendre, prendre mon temps… Ce moment de remise en question fût très important par la suite dans mon travail y compris dans le reste de mes années Art Zoyd. Ce n’était pas une fin en soi mais une étape, un moment très fin, si particulier et unique dans toute ma démarche. C’est quelques mois plus tard que je déciderais d’en faire un album en concentrant tous ces sons sur deux fois 19 minutes environ, vinyle oblige.

Quelles sont vos mémoires et la vision que vouz avez donné aux projets tels comme "Missa Furiosa", "Dr. Zab", "Llibre Vermell" ou "Aria Primitiva" ?
Missa Furiosa.
Longtemps dans Art Zoyd, je me moquais du fait que nous composions souvent des choses très puissantes et solennelles appuyées d’accords d’orgues qui au fil du temps m’évoquaient des ouvertures ou temps forts pour les offices. De plus, lorsque j’étais enfant, j’accompagnais mon grand-père maternel qui était organiste, il m’emmenait avec lui dans la tribune… J’étais fasciné et emporté par les sonorités puissantes de ces tuyaux d’orgue soutenant ce Rituel Catholique qu’est la Messe… Ces images et sons de l’enfance sont encore imprimées en moi aujourd’hui.
Bien plus tard, vers 2001-2002, j’étais en quête de quelque chose de différent sur une base « Technoïde » mais façon ancien Art Zoyd avec de la voix, du chant omniprésent, de la puissance. Je retrouvais alors dans mes archives récentes quelques thèmes que j’allais développer dans cette direction, je crois que ma première tentative, sans savoir que j’écrirais ensuite une messe fût Agnus Dei, je trouvais là toutes les clés d’un projet qui s’appellerait MISSA FURIOSA j’ai d’abord improvisé quelques grooves, assemblé, dramatisé, ajouter des overdubs d’orgue, puis très vite, j’ai improvisé des voix mais je n’étais pas très satisfait car j’utilisais toujours mon pseudo language « zaboitzeffien-zoydien » jusqu’au moment où je décidais d’essayer avec n’importe quel texte et complètement par hasard, par défaut, l’idée m’est venue de faire un bout d’essai avec des bribes de texte en Latin du rituel liturgique Catholique sans me préoccuper du sens profond et de la représentation que cela pouvait avoir. Je tentais différents style de voix et le plus intéressant était le chant Lyrique qui allait devenir une des bases de ce projet. J’allais constituer un groupe de base « Zaboitzeff & Crew » pour la partie instrumentale, puis j’invitais quelques chanteurs classiques à participer à cette Missa Furiosa.
Avec cette Messe, je ne suis pas devenu subitement Chrétien, ce qui m’intéressait, c’était le rituel, la pompe, d’une certaine manière, la manipulation des esprits dans ces rituels fastes, grandiloquents.

En toute conscience, j’ai bien pris garde de ne pas être blasphématoire ni outrancièrement critique. là n’était pas mon but (même si…)
Lors de la première, dans le public, il y avait un Moine qui je crois, a acheté le CD et cela m’a touché et questionné.

Dr. Zab. 
Bien des années auparavant, (90’s) je passais beaucoup de temps dans notre studio (Art Zoyd), j’expérimentais tout ce qu’il était possible de faire avec les samplers et sequencers de l’époque.
Je me revois tel un savant fou dans toutes sortes de manipulations electro… Je me faisais appeler alors Dr. Zab par dérision…
C’était un moment un peu vide dans le parcours d’Art Zoyd et fier de toutes mes expériences, je décidais d’en produire un Album solo «  Dr. Zab & His Robotic Strings Orcherstra «  puis un spectacle solo dans lequel j’étais mis en scène dans le rôle d’un manipulateur de sons, d’instruments véritables ou virtuels, à la façon d’un montreur de marionnettes. la scène était mon laboratoire caricatural et je sautais sans vergogne d’un instrument à l’autre, d’un style à l’autre, c’était très jouissif pour moi…

LIibre Vermell (2004)
Depuis des décennies, je rêvais d’une adaptation électronique et libre de chants et danses de pèlerins qui se rendaient au monastère de Montserrat près de Barcelone à la fin du Moyen Age pour y vénérer une vierge noire. Ces chants composés par des anonymes furent collectés et notés par les moines dans un livre à la couverture de velours rouge qui porte donc ce titre : “Llibre Vermell de Montserrat” le plus célèbre recueil de chants de cette époque.
Je trouvais ces chant magnifiques, prenants, direct et en un mois, je reconstituai chaque pièce et je les orchestrais dans un mode qui m’était personnel de manière à pouvoir les interpréter en duo et en live. J’invitais la chanteuse Sandrine Rohrmoser à créer ce duo avec moi, ce qu’elle fit brillamment en moins d’une semaine. Malheureusement pour diverses raisons, nous avons très peu joué ce répertoire que l’on pouvait qualifier de « In Progress » Beaucoup de temps a passé mais ce projet est toujours au fond de notre coeur et nous pensons le retravailler, l’améliorer et l’enregistrer enfin (2023 ?)

Aria Primitiva
De nouveau en groupe, j’ai eu le sentiment de reconstruire et revivre de manière un peu différente
le concept « Art Zoyd » des années 80-90 : un groupe avec une originalité, une personnalité forte, unique. Chaque fois que j’ai retravaillé avec d’autres musiciens, c’est ce que j’ai toujours recherché. Ce fût encore le cas. Aria Primitiva me donnait un nouveau souffle dans cette direction.
Je vous engage à relire ici comment s’est formé ce groupe
A trois Musiciennes -ciens, nous étions un commando rompu parfaitement à la technologie et d’une grande maîtrise instrumentale. J’en étais le seul compositeur mais nous avions prévu et aménagé de belles plages d’improvisation. J’avais mis beaucoup d’espoir dans cette formation puis devant les difficultés de management et l’atténuation de l’engagement de mes collègues sur ce projet, je décidai de dissoudre ce groupe pour un temps puis le Covid est arrivé et il me fût impossible de remonter Aria Primitiva dans de bonnes conditions et je décidais donc de passer à autre chose. Je reste très fier de ce projet et je remercie encore vivement toutes les personnes qui m’ont aidé à le réaliser (Nadia Ratsimandresy - Cécile Thévenot - Editta Braun - Iva Lirma - Xavier Collin et Monstre Sonore)

À propos de l'adaptation musicale en direct de "Das Cabinet des Dr. Caligari", Comment a-t-elle eu votre expérience à recréer, avec vos qualités de compositeur, l'ambiance lugubre donnée à tel chef-d'oeuvre de l'expressionnisme allemand ? En rapport avec le précédent, et en prenant compte la personnalité cinématographique de votre style, Est-ce qu'il y a un film dans lequel vous voudriez bien "faire accompagnement" musical en direct à l'avenir ?
Lorsque j’ai quitté Art Zoyd en 1997 après trois projets de ciné-concert sur près d’une décennie,
je m’étais dit : » Plus jamais de ciné-concerts !!!  ». J’avais souffert sur la fin de cette période de toujours rester coincé au pied d’un écran à balancer des boucles et rejouer par dessus dans ce contexte devenu peu à peu un espace réservé à une certaine élite banchée « expressionnisme Allemand «  dans ce cas… J’ai le souvenir que dans certains lieux où nous étions invités à nous produire certains organisateur n’avaient absolument aucun regard sur notre performance…
J’étais impatient de sortir de cette routine culturelle et d’initier d’autres projets en plus des ciné-concerts, ce ne fût malheureusement pas possible au sein de Art Zoyd à ce moment là. Alors vous connaissez la suite et les conséquences…

13 années plus tard, Claus Löser qui co-dirigeait le ERSTES INTERNATIONALES CALIGARI - FESTIVAL IN BERLIN m’invitait à composer une musique originale et accompagner en live LE CABINET DU DOCTEUR CALIGARI pour l’ouverture de ce festival, secrètement, j’étais assez réticent mais tout était réuni pour en faire un évènement : La gentillesse des organisateurs de la Brotfabrik - Berlin - Weissensee - Caligari Platz - Delphi, sur les lieux même où ont été créés ces films dans le Berlin des années vingt. Alors j’allais relever ce défi en quelques mois…
J’ai visionné le film de très nombreuses fois avant de comprendre vraiment ce qu’il s’y passait, quelles étaient les lignes de force, le caractère des personnages et aussi surtout le rôle que je pourrais tenir sur scène musicalement dans tout cet imbroglio quasi psychiatrique.
Je me suis empêché au départ toute retenue en exagérant le côté « foire » pour mieux devenir radicalement plus sombre et obscur quand je le jugeais bon. De mon point de vue, je me sentais comme un acteur sonore sorti de la pellicule et qui allait parfois comme diriger l’action ou à d’autres moment réagir à l’action. Là encore ce fût une expérience sur scène en solo, en solitaire,
très étonnante. J’avais décidé que la musique rigoureusement écrite et en place devait avoir sa propre vie, ses propres cheminements mais qu’avec le film elle engage d’autres pistes de lecture, d’autres émotions et non sans humour.
Je n’ai aujourd’hui en 2022 plus l’idée de travailler sur un tel projet de ciné-concert mais plutôt sur des créations d’images actuelles… en voici un exemple « LUVOS migrations « dont voici un teaser.

Selon votre vision, comment est-ce que vous voyez le présent de la musique par rapport à l'avant-garde, l'expérimentation, l'innovation et comment cela pourra affecter la musique à l'avenir ?
Vous savez, je ne suis pas un théoricien, je prémédite très rarement en profondeur mes intentions et comme musicien et compositeur autodidacte, je me réjouis de cette situation me mettant en état de liberté totale dans l’instant. L’avant-garde ne me préoccupe guère, l’expérimentation, je la vis chaque jour et je n’aurais pas la prétention de dire que je suis innovant, je me sens un peu aux confins de tout cela et embarrassé pour répondre à votre question. Je pense que de plus en plus de courants vont se rencontrer en dehors de ces vieilles idées de rivalités entre les anciens et les modernes, des classiques, et des contemporains. depuis longtemps déjà, le Jazz, le Rock, la musique électro sont venus jouer les troublions dans l’espace musical et nombre d’hybridations heureuses me semblent de bonne augure. Dans cette ère de modernité, je reste relativement méfiant vis à vis de toutes ces technologies invasives qui sont trop mises en avant selon moi et qui nuisent ou détruisent parfois tout propos artistique… Je reste ouvert et j’avance !

On ne peux pas éviter de vous demander sur Art Zoyd. Ils ont été 26 ans dans cet ensemble sonore, un voyage qui a commencé avec "Symphonie pour le jour où brûleront les cités". Quels moments uniques de création artistique avez-vous eu au cours des années avec le groupe ?
Il y aurait énormément à raconter et ne ne relaterais que les évènements les plus importants.

Les moments uniques furent notre premier album « Symphonie pour le jour où brûleront les cités «  composé, préparé, répété, expérimenté collectivement, instruments en main dans des conditions de vie difficile alors pour les musiciens débutants mais acharnés que nous étions.
Ce moment d’une rare intensité fût suivi d’une tournée française en première partie de MAGMA dont une semaine au Théâtre de la Renaissance à Paris. (1976)

- Réalisation de l’album Phase IV, moment clé dans la démarche artistique du groupe Art Zoyd qui sera filmé pour la télévision par Daniel Poteau. De nombreuses tournées en Europe et Europe de l’est suivront… (1982)

La création du « Mariage du ciel et de l’enfer » de Roland Petit puis tournée avec LE BALLET NATIONAL DE MARSEILLE ROLAND PETIT (Scala de Milano - Théâtre des Champs Elysées - Opéra de Marseille et Bordeaux. (1984-85)

L’album « Berlin «  puis les tournées partout en Europe avec ce répertoire. (1986-87)

La création du ciné-concert Nosferatu (1988-89)

La rencontre avec la compagnie de danse Autrichienne «  Vorgänge Bewegungs Theater »Rencontre décisive. (1986)

Marathonnerre, ce projet complètement fou de théâtre-performance imaginé par le metteur en scène français Serge Noyelle avec sa compagnie et Art Zoyd en live sur scène durant douze heures de midi à minuit sur un rythme endiablé et incessant couronné par une standing ovation de 25 minutes… fantastique souvenir !

Et pour finir, la question finale que nous posons à tous nos interviewés, Un disque que vous voudriez recommander d'après votre écoute récemment ?
A cause de mes récentes et multiples activités, le temps m’a manqué pour écouter réellement quelque chose de nouveau en profondeur, alors, je ne voudrais pas vous donner de mauvaises pistes… Mais je vous citerais bien volontiers un artiste très éloigné de mon travail en général que j’écoute et affectionne depuis 40 ans déjà sans jamais être lassé : Jon Hassel disparu aujourd’hui, particulièrement deux albums : « Fourth World, Vol 1 » et « Flash of the Spirit »


Thierry Zaboitzeff - 50 ans de musique(s)

Entretien Laurence Rémila


Il est l'un des piliers d'Art Zoyd, groupe mythique du free-rock à la française. Pour fêter son demi-siècle d'agitation musicale,
Thierry Zaboitzeff publie une majestueuse compilation 3-CDs. Interview carrière.

Vous revenez sur votre parcours avec ce coffret 50 ans de musique(s). Comment êtes-vous devenu l'un des membres
des légendaires Art Zoyd ?

Thierry Zaboitzeff : La création d'Art Zoyd, c'est 1969. Moi, j'arrive dans le groupe avec mon ex-collègue Gérard Hourbette (violon), maintenant disparu,
en 1971. C'était sur l'invitation du fondateur Rocco Fernandez (guitare et chant). Puis il y a eu une refondation du groupe, avec une recherche de style, de langage, et on a sorti l'album Symphonie pour le jour où brûleront les cités (AZ Production) en 1976.

Votre découverte du rock ?
Alors, ça remonte à loin ! J'écoutais des choses un peu bateau, puis tout d'un coup, comme nous habitions pas loin de la frontière belge, j
e découvre à la télévision flamande un concert de Frank Zappa. Et je me dis que c'est ça que je veux faire. On voyait des musiciens couchés sur un lit,
des sketchs, une séance de pets, de rots… Rires.)

Comment était l'industrie musicale à vos débuts ?
C'était la liberté. Il n'y avait pas de plans de carrière, beaucoup moins de marketing... Et nous, on était une sacré bande d'allumés, parfois très inconscients.

Et comment étaient vos premiers concerts avec Art Zoyd ?
Quand on faisait les premières parties de Magma, ça nous mettait en contact avec un public qu'on ne connaissait pas. Ils venaient pour Magma
et nous, on était une espèce d'anti-Magma car on était un groupe sans batterie alors que chez Magma, la star, c'est le batteur (Christian Vander),
mais ça se passait très bien.

Vous, c'était : trompette, violon et basse.
Oui, c'était une formation squelettique, mais tout était électrifié. Avec ma basse, j'occupais toute la place d'un batteur. J'assurais toutes les
rythmiques, je me servais des archets du violon. Il y'avait un jeu rythmique inspiré de Stravinsky, de Bartok, des compositeurs de l'Est...

Avec une volonté de ne pas être trop planant malgré l'absence de batterie ?
Oui, on sortait du mouvement un peu babacool. On était une nouvelle génération, on avait envie d'autre chose.

Vous êtes resté avec Art Zoyd une trentaine d'années.
26 ans ! On a toujours eu une volonté d'originalité, et on à continué dans la voie des débuts jusqu'à l'album Phase IV (1982), c'était le point
d'orgue de cette façon de travailler. Nous avons été contactés ensuite par le chorégraphe Roland Petit qui nous a proposé d'écrire la musique de
son prochain ballet, comme il l'avait fait avec la musique de Pink Floyd en 1972, C'est là qu'on a commencé à avoir des claviers dans le groupe,
puis des sampleurs, on a ensuite monté des ciné-concerts avec Nosferatu et Faust qu'on a joués partout dans le monde.

Vous quittez le groupe en 1997.
C'était la fin d'un cycle : on avait des désaccords, mon collègue partait sur de la musique contemporaine avec plus de machines,
et moi, je voulais le contraire. Depuis, je mène ma barque comme je veux.

Tu sors ces jours-ci une compilation de tes cinquante ans d'activisme musical. Pourquoi avoir évité le tracklisting chronologique ?
Ça a été douloureux ! J'ai commencé en voulant faire émerger des petits concepts sur chacun des trois disques. Mais ça s'emboitait mal, ça se
cassait la gueule. Alors j'ai commencé par un truc des années 2020, suivi d'un morceau de 1976 et ainsi de suite, Le principal était que ça colle
musicalement... Donc ça saute du coq à l'âne, mais c'était le souhait.

Et que pensez-vous de l'industrie musicale en 2022 ?
J'aimerais qu'on abatte les cloisons, qu'on mélange les gens qui font de la techno, du rock, du jazz... Là, on entend des trucs auto-tunés d'un
côté, la musique classique et contemporaine d'un autre ; les gens du jazz qui ne veulent pas en sortir. Donc : un peu plus de mixité musicale !

50 ans de musique(s): compilation 3-CD sur
le label Monstre Sonore/WTPL Music

Entretien Laurence Rémila


Crédits videos : Hannes Klein - Explosive Egg | Crédits photos : Hannes Klein